14/12/13

Conversaciones con Xavier Moreno


Después de meses sin actualizar el blog (el proyecto  Llibreria Papasseit, que algunos ya conocéis, ha acaparado necesariamente el 100% de mi atención) retomo la marcha de "Historias de Arte" con una interesante conversación con el polifacético Xavier Moreno.

Xavier (Barcelona, 1975) es un introvertido catacaldos. Conocedor de las bellas artes, la filosofía y la antropología, y tras una multilingüe trayectoria artística que incluye la fotografía, el arte de acción, la poesía visual y la animación, actualmente ejerce como  profesor en la Escola d'Art de Manresa, y centra su creatividad en proyectos personales como "La Granota Tsarevna" un trabajo de collage que se mostró en la Llibreria Papasseit el pasado octubre.






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[SOBRE EL VIRTUOSISMO, EL MÉTODO Y LA PASIÓN]
Para contextualizar un poco tu trabajo de collage, ¿puedes contarnos algún proyecto anterior?

Pues explicaría algunos, pero no servirían de ningún modo para contextualizar “La Rana Zarevna”. En primer lugar porqué, en general, he acabado muy pocas cosas que he empezado. He sido muy constante en dejar proyectos a medias y eso hace que la forma que toman siempre sea como rara y no pueda verse apenas nada (antes me pesaba mucho, pero ahora lo digo con cierta satisfacción y, mirando atrás, pienso que es una suerte y que me ha aportado mucho; ignoro si más o menos, pero seguro cosas muy diferentes). Y, después, porqué no he sido nunca demasiado diestro en nada concreto por lo que, además de estar a medio hacer, mis proyectos son muy dispares.

De hecho, el virtuosismo me resulta en muy pocas ocasiones interesante. Sospecho siempre de los que saben hacer muy bien una cosa. Como también sospecho de los que hacen muchas. Por suerte, a veces me equivoco.

Confieso que mi admiración por Yuri Norstein viene, en parte, de haber hecho sólo 6 películas en su larga trayectoria. Me fascina. O, en el mundo del arte, gente como Andy Goldsworthy, que pueden estar mucho tiempo en hacer algo. Y cuando lo hacen, ya está, se lo lleva el viento lo arrastra la marea.

A menudo la pasión por las cosas no está sincronizada con nuestras clasificaciones. La pasión no tiene porqué corresponderse con disciplinas, campos específicos del conocimiento, la ciencia o el arte. Hay pasiones que son transversales, y entonces parece que dejes las cosas a medias o que no exista una coherencia entre ellas, pero en realidad las continuas, bajo otros parámetros, con otras herramientas o caminando por otros territorios. La tarea terminada es lo que hay encima de la mesa a la hora de plegar. Aunque la mesa está bacía o haya solo un garabato o un dibujo lleno de detalles. Lo que está en juego no es el resultado, sino la metodología, el proceso, el conocimiento, el contemplar, la curiosidad, la conexión de ideas, la emoción... el querer las cosas. Los resultados son fáciles de conseguir, están todos en Google.

Un personaje pequeño en un paisaje extenso es una idea muy moderna en occidente. Más allá del siglo XIX son muy escasos los ejemplos. En cambio, hay ilustraciones otomanas preciosas hechas de este modo. Y también dibujos chinos muy antiguos. No había hecho nunca collages que se parezcan a esto. "La Rana Zarevna" responde a una necesidad. No a una necesidad expresiva o artística, sino vital. Son poca cosa, pero en ellos hay un trozo de vida, inevitable, imperfecta.

Hacer es devenir decía Deleuze y a menudo tenemos la necesidad de devenir alguna cosa. De que alguna cosa pase en nosotros, a través nuestro. Y entonces es igual que seas el autor o el lector o el espectador. Y si cuando pasa esto, tienes la oportunidad de conocer gente maravillosa que pone en marcha una librería con un pequeño espacio para el arte, eso toma la forma de una exposición...


[SOBRE LOS LENGUAJES ARTÍSTICOS]
¿Hay algún lenguaje artístico con el que te sientas especialmente cómodo?

Siempre me he encontrado muy incómodo con los lenguajes artísticos por esto que te contaba. No creo que existan cosas tales como estilos o lenguajes artísticos. Son excusas para hacer horarios en las Escuelas y las Facultados, o para ordenar lo inextricable. En ilustración, por ejemplo, muchas cosas magníficas están hechas en fotografía. La fotografía, pues, no es una técnica de ilustración; como tampoco debe serlo rasgar papeles, acumular hojas de árboles o rallar piedras. Y, en cambio, nos sorprendemos constantemente de los ilustradores que exponen en ferias como la de Boloña, y muchos de ellos hacen cosas así. Y muchas son preciosas.




Los paisajes de la película de Norsten están hechos con puntas de cojín. O Hermina Tyrlova que fabricaba unos muñequitos de trapo preciosos. O la misma Emma Hemmings con sus marionetas, la compañera de Hugo Ball, sin la cual no existiría el Cabaret Voltaire ni Dadá. 

Pero bien visto, esto del lenguaje artístico es una contradicción. Los humanos siempre hemos hecho imágenes o obras de arte y precisamente las continuamos haciendo para intentar arruinar el lenguaje, cualquier lenguaje.

Las imágenes son una de las herramientas que tenemos para agujerear la realidad, o esta ficción compartida a la que llamamos cultura. Como la música. Y lo cierto es que lo más raro es que imágenes y música funcionen por separado. Debemos ser la primera sociedad de la historia que contempla obras de arte y no las canta, las baila, las mueve, las lanza, las rompe, las vive, las quema...


[SOBRE LA REVOLUCIÓN DIGITAL]
En un momento que parece que todo tiende a lo digital (el reconocimiento de la iphoneography como "lenguaje artístico", la realidad aumentada, etc.) has elegido un medio muy "hand made"... ¿Es una especie de declaración de principios?

Solo hay dos formas de fabricar una imagen a partir de la luz que reflejan los objetos: Una, con un espejo cóncavo que era la técnica que usaban los pintores renacentistas de Flandes; La otra a través de un agujerito y una cámara oscura, como hacían los pintores de la misma época en Italia, y poco después se incorporó una lente biconvexa en frente del agujero (aunque la primera lente pulida que conocemos data del siglo siete antes de Cristo!). Todas las cámaras funcionan de esta segunda forma, incluso las del móvil. Que haya una película o un sensor es una parte relativamente significativa del proceso fotográfico.

Por otro lado, el mismo habla es ya un proceso digital que tiene millones de años de antigüedad. Es increíble que con sólo unos pocos fonemas podamos poner nombre a todo lo que hay en el mundo y a todo lo que de él opinamos. La abrupta revolución digital es un poco el invento de la industria para vendernos aparatos increíbles, inigualables y que, a veces, también sirven para algo. Tiene que ver con el fetichismo.

En referencia a los collages, tenía ganas de estarme en la mesa, recortando y pegando tranquilamente. He usado pinzas y lupa! Y mientras vas haciendo, piensas, cantas, sonríes, silvas, lloras... Además, los hice en casa de una amiga que vive en un valle muy bonito, entre paseo y paseo con los perros, recogiendo moras y saúco... Pero ahora también vuelvo a hacer cosas en vídeo y todos los aparatos que necesitas...

¿Sabías que lo que intentan muchos directores que trabajan en vídeo digital es dotar a sus películas de la "textura" del cine y por este motivo sacan calidad y añaden grano y "ruido"?

En definitiva uno usa las herramientas que considera oportunas en cada momento. Y de variables y circunstancias hay muchas. Pero siempre he comprobado que la sencillez acompaña las cosas más interesantes.

Me viene a la mente Karl Blossfeldt que pasa por ser uno de los fotógrafos mas influyentes de la primera mitad del siglo XX, de la Nueva Objetividad, cuando su obra está hecha con una cámara de madera, construida por él mismo y sus fotos simples ejemplos de plantas para sus alumnos, ya que era... profesor de forja!

Además, trabajar con las manos es un placer. Hay una relación bien estrecha entre el pensamiento y la actividad de las manos... Al principio fue la palabra. Pero la palabra es, en el fondo, muy táctil. Después está el tema del pensamiento manual, eso que se inventó Godard, pero que es una evidencia, solo puedes descubrir cosas en las cosas cuando las coges, las giras, las pones del revés, las cambias de sitio, juegas con ellas... y tienes que hacerlo con las manos. Es imprescindible. Es como un contacto no sólo con los materiales, con los objetos, con la tierra, sino con sus posibilidades, con su cara invisible. En el fondo, con lo humano que hay en las cosas...


[SOBRE EL FETICHE RUSO]
Siendo originario de una cultura tan cálida como la mediterránea, ¿de donde sale este interés por el imaginario ruso?

No lo se... La Historia del arte está llena de artistas rusos. Y la literatura, Txejov, Maiakowski... En Rusia y en las ex repúblicas soviéticas es donde se gestan muchos de los cambios que sacuden Europa durante todo el siglo XX. En cine, por ejemplo, Vertov, o en fotografía con Rodtxenko... La influencia en la Bauhaus, o en Dadá... Y las olas de artistas soviéticos que desembarcan a América. En animación, la Unión Soviética que comprende durante los 60 todos los países del este de Europa, es prácticamente donde se hacen las cosas más bonitas e interesantes. El mismo Nostein, los chechos o la Escuela de Zagreb, en Croàcia. 

Antoine de Saint-Exupéry explica una historia que escucho en uno de sus viajes a la URSS: Era una estación rusa donde un hombre pierde el tren. Tiene que esperarse un buen rato en un pueblecito aislado. Mientras espera, descubre un conjunto de fardos. Al cabo del rato llegan risueños y cantando un grupo de samovares. El hombre pregunta al jefe de estación que hace ese grupo de personas allí y el jefe de estación le responde que esperan. Esperan el permiso para irse. ¿Dónde? Pregunta el hombre. El jefe de estación responde, contrariado por la pregunta, esperan simplemente coger el tren. Allá donde vaya. El hombre, a quien ya le parecen intolerables dos horas de espera, vuelve a preguntar. ¿Y cuánto hace que esperan? Y el jefe de estación se quita la gorra, se rasca la cabeza y dice, haciendo un cálculo aproximado, unos 5 o 6 años.

Buena parte del pueblo ruso tiene un alma nómada, el deseo constante de ponerse en camino, escribe Saint-Exupéry. No se si tiene algo que ver con esto, pero muchas cosas que me maravillan, en animación por ejemplo, vienen de ahí. Después está todo el tema de la revolución bolchevique, la atracción que siempre nos ha provocado...

Y aún hay otra cosa que me ha interesado, los formalistas como Jakobson, pero sobre todo Propp con sus estudios sobre los cuentos populares rusos y la estructura del cuento… Por cierto, para "La Rana Zarevna" necesitaba un cuento concreto. Pensaba que tendría que inventarlo, pero leyendo unos cuantos, lo encontré. O, mejor dicho, me encontró él a mí.

6/8/13

La reivindicación del collage


El collage - una técnica artística basada en el ensambalje de lenguajes gráficos de distintas naturalezas - fue aceptado históricamente como lenguaje artístico gracias al uso profuso que de él hicieron los pintores cubistas, como Braque o Picasso (quienes, de hecho, se disputan su "invención"). 

Pablo Picasso, "Naturaleza muerta sobre silla de rejilla" (1912)
Estos artistas descubrieron en el collage las posibilidades expresivas de la imaginería gráfica de lo cotidiano, superando así los "anticuados" materiales nobles propios de las Bellas Artes.

Después de éstos, y a lo largo de todo el siglo XX - futuristas, dadaistas, los chicos del pop art, y demás vanguardistas y posmodernos - expandieron las posibilidades expresivas y conceptuales de este nuevo lenguaje, llevándolo incluso al plano digital.

Así - y a pesar de ser un lenguaje completamente abierto, aparentemente carente de reglas, abierto a toda clase de subjetividades y estrechamente vinculado a "lo cotidiano", o a lo mejor precisamente por ésto - el collage ha superado la transición de siglo, consolidándose como "forma de expresión contemporánea". Y de esto son testigo una serie de artistas emergentes que, ya completamente adentrados en el siglo de lo digital, reivindican el componente táctil y la capacidad expresiva que de su material se desprende.


Maurizio Anzeri (Loano, Italia, 1969)

A partir de una extensa colección de retratos fotográficos anónimos, adquiridos concienzudamente en mercados de antigüedades y tiendas de viejo, Anzeri seleccionó 25 imágenes de los años 30 y 40 para aplicarles una serie de patrones de hilo bordado. Este material configuró su primera muestra en solitario en la galería británica Baltic Centre for Contemporary Art durante el año 2011.

Maurizio Anzeri, "Round Midnight" i "Family Day" (2009)



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Más allá del componente táctil y tridimensional que el hilo otorga a las imágenes, las intervenciones de Anzeri actúan como máscaras que cargan de connotaciones sujerentes a estos personajes anónimos; ocultándoles y dándoles, así, un nuevo juego identitario.


Eugenia Loli (Preveza, Grecia, 1973)

Nacida en Grecia, pero con base en California (después de pasar por sitios como Alemania o Inglaterra), Eugenia Loli realiza sus mashups digitales a partir de fotografías antiguas. Su trabajo - construido a base de combinar lo vintage con lo contemporáneo y reconocido pletóricamente en plataformas como tumblr - está teñido de una sensibilidad femenina que logra un delicado equilibrio entre el placer visual y una cierta intriga.


Eugenia Loli, "Normalization""Fabler busters" y "Hotel California"


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Eugenia Loli se nutre de su pasado a caballo entre disciplinas - ha sido enfermera, programadora informática, periodista especializada en tecnología y directora de cine - para jugar con los lenguajes propios de éstos mundos, mezclándoos con una voluntad que recupera lo surrealista del collage.

Para más información, podéis leer las FAQ que la misma artista responde en su página de tumblr o visitar sus álbumes en Flickr.


Eli Craven, "Screen lovers" (2013)
Eli Craven (Idaho Falls, EUA, 1979)

"Del collage 3D al origami hay solo un paso". Ésta podría ser la máxima (o una de ellas) de Eli Craven, la joven estadounidense que se encuentra detrás de estas piezas a medio camino entre la fotografía (a menudo reciclada), la escultura y el collage.

El suyo sí es un collage táctil. Hecho del mismo material y técnica que la papiroflexia, la obra de Craven se fundamenta en el imaginario del gesto, hasta regocijarse en él, creando estructuras hechas a base de pliegues que esconden historias y a la vez las crean.

A partir de imágenes fijas casi icónicas, que remiten a los fotogramas cinematográficos, la mayoría de trabajos de Craven analizan los procesos de interacción y socialización del hombre. El amor, la pasión, la máscara identitaria o la condolencia son temas recurrentes en las series de Eli Craven. Como bien podrían serlo la apatía, la confrontación o la gula.


Viéndolo así, se me antoja que el suyo es un trabajo que se aproxima a lo cinematográfico... Bien, sea como sea, lo interesante aquí es la capacidad de un lenguaje artístico (aparentemente) tan naïf como el collage logra expandirse y asentarse (de nuevo) como alternativa low cost para los "materiales nobles" de las bellas artes.

13/5/13

"Photo-Graph in East London", las entrevistas


Por fin tengo el placer de compartir con vosotros las entrevistas completas realizadas para "Photo Graph in East-London", una exposición realizada en octubre en The Vyner Studio (que, por cierto, estrena web) y de las que ya os anticipé información de algunos de los artistas (Patricia KarallisMariell Amélie o Nick Scaife) en este blog y a través de la plataforma ARCO Bloggers.

Me alegro también de poder comunicaros que a partir de Julio seguiré colaborando con este espacio Londinense de forma regular, con más entrevistas y artículos sobre arte contemporáneo que también compartiré aquí.

Keep moving! :)



17/4/13

Art Austria, la feria de arte se traslada al museo


He tenido el placer de pasar este fin de semana en la preciosa ciudad de Viena, una de las capitales artísticas europeas por excelencia.

Durante estos días (del 11 al 14 de abril), ha tenido lugar ahí la sexta edición de Art Austria, una muestra exclusiva de arte austriaco en la que 50 galerías exhibieron sus mejores artistas, desde los consolidados hasta los más emergentes.

Lo que llama especialmente la atención en este evento, más allá de la alta calidad de la mayoría de las obras seleccionadas, es el hecho que la feria se realizara en las 3 plantas inferiores del Museo Leopold, el cubo blanco del Museums Quartier de Viena (que ostenta, además, una impresionante colección de Secesionismo, Modernismo y Expresionismo Vienés).

Este novedoso formato rompe las tradicionales barreras entre el museo y el mercado del arte, entre la conservación y goce y la comercialización; proponiendo un interesante encuentro entre lo coleccionado y lo coleccionable. Con la inclusión del "regateo" ferial, el museo deja de ser ese sitio silencioso, sacralizado y semivacío, para llenarse de una inusitada vitalidad; Con su traslado al "templo del arte" la feria minimiza la banal artificiosidad comercial, haciéndose mucho más amigable para aquellos asistentes que no gozamos de una "billetera VIP". 

Art Austria representa, pues,  una buena medida para los ajetreados tiempos que vivimos, en los que la participación (tanto de galerías como de público) en eventos de estas características se ve menguada por las dificultades económicas.




Como ya viene siendo una tradición en 'Historias de Arte' (hice lo mismo para JustMAD y SWAB Art Fair) os propongo una selección de las propuestas más interesantes de esta edición de la feria vienesa a través de un Pinboard de Pinterest, así como un listado de las galerías y artistas destacados:


Pinboard de Art Austria 2013





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Os recuerdo, además, que en el apartado 'Enlaces y recursos' de este blog podréis encontrar el link a las páginas web de estas y más galerías de arte.

21/3/13

Llega @ZincShower, el primer Meeting Show de las ICC

E 'Historias de Arte' lo celebra con el sorteo de entradas y descuentos.



ZincShower se presenta en abril de 2013 como el primer "meeting show" de las Industrias Culturales y Creativas en España. El evento, que tendrá lugar en Matadero Madrid los días 11-13 de abril (os dejo la programación), será un punto de encuentro entre emprendedores, inversores y profesionales del ámbito de las ICC; así como un mecanismo de apoyo y promoción de proyectos culturales, fomento de la colaboración e intercambio de conocimientos.

A través de la presentación de nuevos modelos de negocio transformadores dentro de las Industrias Culturales, ZincShower pone de manifiesto que existen nuevas metodologías y posibilidades de negocio transformadoras también para el ámbito cultural. 


FINANCIACIÓN. PROMOCIÓN. COLABORACIÓN. FORMACIÓN. CREACIÓN. NETWORKING. PARTICIPACIÓN. ACTIVIDADES CULTURALES Y DE OCIO.


Contando con la colaboración de numerosas y reconocidas entidades, ZincShower se presenta como un evento para canalizar la inversión hacia proyectos relacionados con las ICC, potenciar el networking, compartir conocimientos y celebrar la creatividad.

Podéis comprar vuestros abonos y entradas para ZincShower aquí. Y si seguís leyendo encontraréis la forma de conseguir entradas gratuitas e interesantes descuentos.


¿En qué consiste ZincShower?

A través de una convocatoria abierta (a la que se han presentado más de 900 proyectos) se han elegido las 100 propuestas más innovadoras, con una fuerte base tecnológica, y en representación de diferentes sectores: software y servicios de computación, animación y videojuego, artes audiovisuales, arte y diseño, moda, publicidad y editorial. Esta selección, se presentará en un encuentro que se organiza alrededor de una serie de espacios destinados a la presentación, reflexión y experimentación de ideas innovadoras en el campo de las ICC: 

#ShowArea (100 proyectos seleccionados contarán con un espacio de exhibición y punto de encuentro para su presentación ante inversores y público), #ZincShows (para celebrar la creatividad en los diferentes sectores presentes en el evento), #ZincNetwork (para el intercambio de ideas y experiencias), #ZincZone (donde descansar y reflexionar sobre los estímulos recibidos), #ZincTalks (para aprender y charlar), #ZincLabs (donde participar de las nuevas ideas y herramientas) y muchas otras actividades paralelas que complementan esta ducha de creación cultural.


Para celebrar la existencia de eventos de estas características en un momento especialmente complicado para las ICC, 'Historias de Arte' os ofrece la posibilidad de conseguir entradas gratuitas y descuentos del 35% para asistir a la primera edición de ZincShower a través de un sencillo concurso. ¡Al que os animo a participar!

8/2/13

Fotografía joven en Londres III: Nick Scaife


Coggles.com
Nick Scaife (Reino Unido, 1984) es un joven fotógrafo especializado en fotografía de moda que ha trabajado en campañas comerciales para grandes marcas y diseñadores como Moschino, Orla Kiely, Oliver Spencer y eventos como la influyente London Fashion Week.

Más allá de estos trabajos puntuales, Nick es, además, el fotógrafo que se esconde detrás de la selección de "fotografía callejera de estilo" de Coggles.com, una conocida revista online de tendencias.

La fotografía de moda, pero, parece ser sólo una fracción de su portfolio fotográfico, ya que cuenta, además, con una serie de proyectos personales que complementan estos trabajos hechos por encargo.

La mayoría de estos proyectos personales están desarrollados durante largos viajes que Nick realiza alrededor del mundo (parece tener especial preferencia por el próximo  oriente) y buscan trasladar esa visión analítica de la fotografía de moda al reportaje fotográfico etnológico.

Es el caso de sus series realizadas en Armenia, la India o en el estrecho del Bósforo de Istanbul, que separa la Europa oriental del Asia occidental, constituyéndose como quizá la frontera más significativa y evocadora existente.


"Istanbul is a cohesive city awash with contradictions. Where new entrepreneurial energy collides with the traditional melancholic air, and where the gulf between possibility and reality seems to be at its most pronounced."


Nick Scaife, "Istanbul" (2010)


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"The Last Photos", constituida a partir de imágenes instantáneas de una persona especial a quien creyó no poder volver a fotografiar jamás, es quizás la serie más personal de Nick. Este estrecho vínculo psicológico con el sujeto fotografiado confiere al conjunto de imágenes un halo que trasciende a sus cualidades individuales y que ha servido al joven fotógrafo para plantear, de una manera casi accidental, una reflexión teórica sobre la fotografía como mecanismo de fijación de lo vivido.

Así, la serie se plantea como un work in progress a modo de diario de una relación personal hasta que llegue, definitivamente, la última foto.

Nick Scaife, "The Last Photos" (2012)




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Como en los posts anteriores de la serie, os dejo un fragmento de la entrevista que hice a Nick para el catálogo de la exposición colectiva "International Photo-Graph-East-in London" en The Vyner Studio, una actividad paralela al consolidado festival de fotografía de East London Photomonth.



You have series of photographs taken in Armenia, Istanbul, South India... Have these environments shaped the way you understand photography?
Yes, I think every environment I work in shapes my understanding of photography. Armenia was an interesting trip for me as I have some Armenian heritage and an interesting family history from the region. I traveled there to get a feel for the place and to develop some ideas with a view to starting a long term project out there in the new year.

Nick Scaife, "A quick trip from Mumbai to Kerala" (2010)
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Your best known work is, probably, the “Street Style” archive for Coggles.com. Tell me a secret: what is the key style?
It's as much about the person than the clothes they are wearing. I'm not looking for the latest trends but for people that turn my head without me really having to think twice about it. I try and look for individuality, a sense of character, and people who look completely comfortable in what they are wearing. Forcing a look for the sake of being on trend doesn't make for a good outfit or a good photograph.

And where are the characters you portray from? Is London a perfect location?
The people I photograph are from all over the world, creating a really diverse range of styles and influences that probably makes London the street style capital of the world. 75% of my shots from London are probably taken in Soho as its probably London at its most diverse.

Has this kind of “street fashion photography” influenced your personal work?
I tend to try and simplify all my street style images, looking for clean and complementary backgrounds to let the person stand out in the frame, although its not always possible in a city as busy as London... I guess my personal work also aims to be fairly stripped back as I think less is often more with photography (although I'm challenging myself to think a bit differently with regards to this at the moment) so it has probably had some sort of influence on my personal work.

Which are your references?
I really admire The Sartorialist and The Locals (formally Copenhagen street style). Both blogs are right on it in terms of style and aesthetic.

What exactly are your “last photos”
There was a point when I thought I had taken the last photo of someone very special to me, someone who I'd taken hundreds, if not thousands of photos of before. These last images therefore attained a much greater significance to me than perhaps their individual qualities deserved, and really got me thinking theoretically about photography in quite an unintentional and natural way. The project has subsequently developed because my relationship with the subject of the series has improved significantly. As such the series is a work in progress and has become more of a diary of our time spent together, but of course there will eventually be a last photo of all of us, which is a terribly sad thought, and one that raises more questions about photography's purpose and ability.


Nick Scaife, "The Last Photos" (2012)


30/1/13

Fotografía joven en Londres II: Mariell Amélie



Mariell Amélie, "She had just left for
heaven, they said #3" 
(2011)
Criada en una pequeña isla al norte de Noruega, cerca del círculo polar, Marielle Amélie se trasladó hace unos años a Londres, donde actualmente vive y trabaja como fotógrafa de moda. Actividad, ésta, que combina con la que ya desde la infancia es su pasión: sus "autorretratos de humores". 

Según la propia artista, el hecho de criarse como hija única en esa pequeña y despoblada isla la obligó a aprender a gozar de su propia compañía, es por esta razón que se siente más libre con los autorretratos que trabajando con modelos. Así sus autorretratos, que gozan de títulos tan poéticos como "She had just left for heaven, they said" o "Sharp retractable claws, and teeth adapted to killing small prey", marcan una especie de hoja de ruta vital, sin la cual asegura Mariell que no podría vivir.

En un estilo aislado, frío y misterioso, Mariell realiza la mayoría de sus autorretratos durante sus breves viajes a su isla noruega, donde reencuentra la soledad y el silencio que marcaron su infancia. Sus retratos intemporales, inspirados en recuerdos y sueños, desprenden una aura de romanticismo del siglo XXI.


Como en el post anterior, os dejo un fragmento de la entrevista que hice a Mariell para el catálogo de la exposición colectiva "International Photo-Graph-East-in London" en The Vyner Studio, una actividad paralela al consolidado festival de fotografía de East London Photomonth:


Mariell Amélie, "Finding home series" (2012)
“Grew up on a small island, above the polar circle, in Northern Norway with her parents and a cat”, this is what we can read in the “bio” section of your website. How do you reconcile this peaceful origin with London's maelstrom? 
When I do my selfportraits I go back back to Norway. I find it hard to do my selfportraits in London because the buildings and locations is not like back home. The landscape and locations plays a big role in my portraits.

Do you think the polarity your Norway island - London is translated into your work?
After I moved to London my pictures changed a little bit. They look less naive and perhaps a little bit more cold. I miss my island when I am in London and I think that makes my feelings stronger as I am taking the pictures.

Both your commissioned work and your personal ones consist mainly of portraits with a poetic background. What's behind this halo, this “non-presence”?
I take pictures because I am not very good at painting or writing. It is my way of putting my feelings down to paper, and that is probably why my photos sometimes look a bit poetic.

The titles in your works are very poetic too, “Untitled” is not your stuff?
There is pretty much always a though behind all of my photos. I think a title makes the picture stronger and it makes people think more about what is actually going on in the picture.

What are the topics in your work?
A lot of my pictures are about waiting.

What is your working ritual?
I go home to Norway about 3 times a year, this is when I try doing most of my self-portraits. I visit old buildings and I bring my dad to help me out most of the times, as I don’t drive myself and sometimes its good having a person to test-shoot on before I go in front of the camera myself. I do like being by myself when I actually take the picture though. Before a self-portrait-shoot I plan a few outfits and I have a few ideas, but never an actually planned shot. I have to feel the house or the landscape and see what would be right to do just there and then.



Mariell Amélie, "She had just left for heaven, they said series" (2011)


28/1/13

Fotografía joven en Londres I: Patricia Karallis


Patricia Karallis (Mildura, Australia) es una joven australiana que desde 2006 vive, estudia y trabaja en Londres. Su obra fotográfica gira alrededor de la investigación cultural e identitaria y es el íntimo resultado de mezclar el trabajo documental con el retrato. La calidez y la sensación de soledad que transmiten sus imágenes viene dada, seguramente, por la elección de la fotografía analógica y la luz natural como principios creativos de unas obras donde el grano y el tono marcan una continuidad.

Con el proyecto "On the Cusp" (2012), Patricia se acerca al tema del "transgénero" de un modo mucho más intimista que los estereotipos tradicionales, en una especie de aproximación antropológica a una identidad de género muy concreta. Las fotos de la serie han estado tomadas con modelos voluntarios que se han dejado retratar en espacios e indumentaria con los que se sienten confortables. Y el resultado es una serie de imágenes honestas de personas en las que la condición "transgénero" aparece naturalizada como un elemento más de la identidad individual.


Patricia Karallis, "On the cusp series" (2012)





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Os adjunto un fragmento de la entrevista que hice a Patricia para el catálogo de la exposición colectiva "International Photo-Graph-East-in London" en The Vyner Studio, una actividad paralela al consolidado festival de fotografía de East London Photomonth:


What happened to an Australian girl, from the small Mildura, that moved 6 years ago to London, and why have you stayed?
The plan was for me to stay for a year but I somehow managed to live here on a more permanent basis. I’ve always had a love/ hate relationship with London; it’s the type of city where there’s a lot to take advantage of culturally - that is, if you have enough money to take advantage of it, but overall it’s quite tough. The weather is generally pretty bad, people can be quite moody, but when things start falling into place (as they slowly do), there’s nowhere else I’d rather be. It’s definitely a city that pushes you and I don’t think I would’ve gone back to photography if I hadn’t moved here. 

Do you think that an artists environment shapes their works? Is the relationship between Mildura – London influencing yours? 
I think environment shapes an artists work to a degree. Being in London has definitely exposed me to new people, experiences and influences I wouldn't normally have had the opportunity to in Australia, which has helped me to focus on what type of photographer I want to be. For me, the relationship between the 2 cities and my relationship with them both is completely different, however I feel that my aesthetic is still the same. 

Your photography is the intimate result of merging documentary work and portraits, how do you do this?
Lots of shooting and lots of editing.

And, if you had to tell me the topics and references of your work, what would you say to me?
I guess you could say I'm usually drawn to themes surrounding identity, culture and/ or class. The majority of the portraits on my sites are friends, family, or people I've met during different projects. I love Lise Sarfati’s portraits and she was a major influence on my last series On The Cusp. I love the feel of her photographs, they’re quite cinematic and I like the fact that she uses film and natural light; this is an aesthetic I also prefer when shooting portraits. There’s a sense of loneliness and maybe yearning in her photographs that I really connect with. I also love the work of Paul Graham. I went to see his retrospective show at The Whitechapel Gallery last year and it blew me away.

How does the analogue photography for your portraits tie together?
I love the richness, the grain and the colours of shooting film, as opposed to digital. I have a couple of portraits on my site that were taken with digital and for me, they stand out. I think what generally ties my portraits together is the tone and warmth of the photographs.  


Patricia Karallis, "On the cusp series" (2012)



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Let's focus in “On the Cusp”, the series which is shown in “Photo-Graph in East London”. Where does the magnetism of these characters reside?
On The Cusp was my degree final year project. I wanted to focus on a particular subject that I think is very relevant but sometimes shunned or difficult for people to understand. I also wanted to approach it in a new, different way. People who identify as transgendered have often been sexualised or portrayed with the use of stereotypes and cliches. I wanted to move away from that by having the portraits taken in each sitters home and in clothes they feel comfortable wearing day to day, with the final outcome hopefully being an open and honest discussion with people of all sex, gender and preferences. I think this is what initially draws people in; these are everyday people in everyday environments.

30/12/12

Arte Cotidiano. ¡Bajemos al arte del pedestal!


Uno de los valores fundamentales en Ártica es la difusión de buenas prácticas de gestión cultural independiente, con el objetivo de generar y dinamizar una red de aprendizaje colectivo. Arte Cotidiano es, sin duda, uno de estos proyectos emprendedores en gestión cultural. Nos ha llamado la atención por ser una iniciativa geográficamente distribuida (se realiza en pequeños comercios en diversas ciudades) que se hace visible no sólo en las localidades sino también a través de la red, y por su producción 100% colaborativa.

Cartel Arte Cotidiano (fragmento)



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La iniciativa de este proyecto sale de las cabecitas de los chicos de la Asociación Cultural Lemon y Coco (Montaña Hurtado y Miki Gazquez), de Cáceres, y parte de la idea de acercar el arte a todo tipo de público, sacándolo de las instituciones artísticas y llevándolo a los pequeños negocios de barrio. Pero no sólo esto; con la participación de jóvenes profesionales de la gestión cultural comisariando obras de artistas emergentes, el proyecto persigue un doble objetivo: por un lado dar una oportunidad a agentes artísticos emergentes, y por el otro dar, en la medida de sus posibilidades, un impulso a los pequeños comerciantes. “Comercios de tres ciudades se convierten en salas de exposiciones para el proyecto Arte Cotidiano” anticipaba la nota de prensa

Con este interesante planteamiento, se suman al proyecto Laura Cano (una joven historiadora del arte y museóloga de Granada) y Semíramis González (historiadora del arte y, entre otros, comisaria de la Asociación Cultural GRITO), para llevar la obra de 7 artistas a 10 tiendas de 3 ciudades españolas: Cáceres, Granada y Gijón. El pasado sábado 10 de noviembre a las 20:00h (horario español) tubo lugar la inauguración simultánea de los 10 espacios expositivos que, durante un mes, dejarán de ser simplemente “negocios de...” para convertirse, además, en auténticas salas de arte (y de lo más concurridas).


Arte cotidiano en Cáceres:

Comisarios: Montaña Hurtado y Miki Gázquez (Asociación Cultural Lemon y Coco)
Artista: Beatriz Ballesteros (fotografía de pequeño y mediano formato)
Establecimiento: Floristería Naturadecor

El proyecto según sus ideólogos, coordinadores y también comisarios, Montaña Hurtado y Miqui Gázquez:

“Estamos muy satisfechos con el resultado de todas las exposiciones y la repercusión que el proyecto está teniendo en medios de comunicación, blogs y redes sociales. Estamos muy satisfechos sobre todo porque todas las personas implicadas en Arte Cotidiano hemos participado en el proyecto de manera altruista pero con mucha ilusión. 
En el caso de la exposición de Cáceres, que nos hemos encargado de comisariar, ha resultado muy sencillo encontrae el espacio en el que realizar la exposición porque Chus y Alfredo de la floristería Naturadecor tienen muy buena disposición para colaborar. En cuanto a la elección de la artista tratamos de unir la filosofía de Arte Cotidiano de contar con artistas locales con la que seguimos en Lemon y Coco, de dar oportunidades a artistas emergentes. Conocíamos a Beatriz Ballesteros y su trabajo nos parecía que podía encajar tanto con el proyecto como con la floristería.
La inauguración fue el sábado por la tarde y el lunes cuando los dueños de la floristería fueron a ver la tienda se encontraron gente esperando para visitar la exposición. Nos ha sorprendido mucho la aceptación que está teniendo y la cantidad de gente que se ha acercado a la floristería a ver las fotos de Beatriz.”



Arte Cotidiano en Gijón:

Comisaria: Semíramis González (Asociación Cultural GRITO)
Artistas: Begmont, Breza Cecchini, Elisa torreira, Rocío Pinín y Rodrigo Martín.
Establecimientos: 8 tiendas de ropa del centro de la ciudad (Alouette, Daniela Sierra, Marisa del Castillo, Tamar, It, Scalpers, Trench y Toscana)

El proyecto según su comisaria, Semíramis González:

“Para Arte Cotidiano yo conté con el apoyo de la asociación cultural de la que formo parte, GRITO, ya que me era imposible acudir a Gijón para el montaje. Sin embargo los artistas los escogí yo e intenté valorar la frescura en su producción, que fueran asturianos y que todos fueran emergentes, habida cuenta la necesidad de dar a conocer nuevos nombres y sus obras. En Gijón contamos con el apoyo de la Unión de Comerciantes, donde se integran la mayor parte de las tiendas de la ciudad, y que nos ayudó a seleccionar a las ocho participantes, todas en el centro. La verdad que no hemos tenido problemas con el montaje, ya que al recibir el apoyo de la Unión todas las tiendas se mostraron encantadas de apoyar esta iniciativa, que por otra parte también les beneficiaba a ellos. Además, se hizo coincidir la fecha con el próximo encendido de luces navideñas el día 5 y la actividad “De tiendas a medianoche”, que permite comprar hasta las 12 de la madrugada, pudiendo así comprar y ver arte al mismo tiempo. 

A modo de conclusión sólo diré que me ha parecido no sólo interesante sino necesaria la realización de proyectos como Arte Cotidiano, planteado desde Lemon y Coco, ya que en momentos como el que nos toca (no sólo al sector cultural) con la crisis asomando en cada esquina, es vital el apoyo entre agentes locales; convertir tiendas corrientes en espacios para el arte y “des-elitizar” el arte de los museos y cubos blancos, tan fríos para el público general”.

Arte Cotidiano en Gijón: obras de Begmont y Rocío Pinín
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Arte cotidiano en Granada:

Comisaria: Laura Cano
Artista: Juan Jesús Dueñas Ruiz (grabados)

El proyecto según su comisaria, Laura Cano:


“Para mí, elegir el artista fue fácil. Conozco la obra de Juan Jesús. Es meticuloso, entregado y se adaptaba perfectamente a las condiciones del local. 
Esperanza Muñoz, la peluquera, estuvo encantada con el proyecto desde el principio. Ha colaborado en todo momento con mucha ilusión. Trabajando en equipo y con muchas ganas, el resultado ha sido el esperado. Me ha parecido una experiencia genial, estupendamente coordinada tanto en general como en cada caso concreto. 
Tengo ganas de montar algo con obras en soportes como el vídeo o la instalación, pero obviamente en este caso, eso era imposible, por ello, saber adaptarse a cada contexto creo que también es prueba de organización y previsión en el trabajo. 
Todas las exposiciones han quedado perfectas. Se ha conseguido con creces el objetivo del proyecto. Feliz con ello”.




El proyecto, según la organización y los participantes, parece haber sido un éxito rotundo. Y es que una iniciativa así no merece otra cosa.


[Publicado en Ártica, Centro Cultural 2.0]