"Photo-Graph in East London", las entrevistas

Por fin tengo el placer de compartir con vosotros las entrevistas completas realizadas para "Photo Graph in East-London", una exposición realizada en octubre en The Vyner Studio (que, por cierto, estrena web) y de las que ya os anticipé información de algunos de los artistas (Patricia Karallis, Mariell Amélie o Nick Scaife) en este blog y a través de la plataforma ARCO Bloggers.

Me alegro también de poder comunicaros que a partir de Julio seguiré colaborando con este espacio Londinense de forma regular, con más entrevistas y artículos sobre arte contemporáneo que también compartiré aquí.

Keep moving! :)

Art Austria, la feria de arte se traslada al museo

He tenido el placer de pasar este fin de semana en la preciosa ciudad de Viena, una de las capitales artísticas europeas por excelencia.

Durante estos días (del 11 al 14 de abril), ha tenido lugar ahí la sexta edición de Art Austria, una muestra exclusiva de arte austriaco en la que 50 galerías exhibieron sus mejores artistas, desde los consolidados hasta los más emergentes.

Lo que llama especialmente la atención en este evento, más allá de la alta calidad de la mayoría de las obras seleccionadas, es el hecho que la feria se realizara en las 3 plantas inferiores del Museo Leopold, el cubo blanco del Museums Quartier de Viena (que ostenta, además, una impresionante colección de Secesionismo, Modernismo y Expresionismo Vienés).

Este novedoso formato rompe las tradicionales barreras entre el museo y el mercado del arte, entre la conservación y goce y la comercialización; proponiendo un interesante encuentro entre lo coleccionado y lo coleccionable. Con la inclusión del "regateo" ferial, el museo deja de ser ese sitio silencioso, sacralizado y semivacío, para llenarse de una inusitada vitalidad; Con su traslado al "templo del arte" la feria minimiza la banal artificiosidad comercial, haciéndose mucho más amigable para aquellos asistentes que no gozamos de una "billetera VIP". 

Art Austria representa, pues,  una buena medida para los ajetreados tiempos que vivimos, en los que la participación (tanto de galerías como de público) en eventos de estas características se ve menguada por las dificultades económicas.

Como ya viene siendo una tradición en 'Historias de Arte' (hice lo mismo para JustMAD y SWAB Art Fair) os propongo una selección de las propuestas más interesantes de esta edición de la feria vienesa a través de un Pinboard de Pinterest, así como un listado de las galerías y artistas destacados:

• Kunsthandel Widder (Viena): Gottfried Salzmann
• ZS art Galerie (Viena): Irene Wölfl
• Galerie 22a (Innsbruck): Anne-Marie Julien
• artdepot (Innsbruck): Aron Demetz
• Galerie Wolfgang Exner (Viena): Emil Herker
• Galerie Lang (Viena): Franz Beer y Stefan Zsaitsits
• Galerie Gans (Viena): Alfredo Barsuglia
• Kro Art Contemporary (Viena): Ina Loitzl
• Galerie Krinzinger (Viena): Eva Schlegel
• Charim Galerie (Viena): Lisl Ponger

Pinboard de Art Austria 2013

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Os recuerdo, además, que en el apartado 'Enlaces y recursos' de este blog podréis encontrar el link a las páginas web de estas y más galerías de arte.

Llega @ZincShower, el primer Meeting Show de las ICC

E 'Historias de Arte' lo celebra con el sorteo de entradas y descuentos.

ZincShower se presenta en abril de 2013 como el primer "meeting show" de las Industrias Culturales y Creativas en España. El evento, que tendrá lugar en Matadero Madrid los días 11-13 de abril (os dejo la programación), será un punto de encuentro entre emprendedores, inversores y profesionales del ámbito de las ICC; así como un mecanismo de apoyo y promoción de proyectos culturales, fomento de la colaboración e intercambio de conocimientos.

A través de la presentación de nuevos modelos de negocio transformadores dentro de las Industrias Culturales, ZincShower pone de manifiesto que existen nuevas metodologías y posibilidades de negocio transformadoras también para el ámbito cultural. 

FINANCIACIÓN. PROMOCIÓN. COLABORACIÓN. FORMACIÓN. CREACIÓN. NETWORKING. PARTICIPACIÓN. ACTIVIDADES CULTURALES Y DE OCIO.

Contando con la colaboración de numerosas y reconocidas entidades, ZincShower se presenta como un evento para canalizar la inversión hacia proyectos relacionados con las ICC, potenciar el networking, compartir conocimientos y celebrar la creatividad.

Podéis comprar vuestros abonos y entradas para ZincShower aquí. Y si seguís leyendo encontraréis la forma de conseguir entradas gratuitas e interesantes descuentos.

¿En qué consiste ZincShower?

A través de una convocatoria abierta (a la que se han presentado más de 900 proyectos) se han elegido las 100 propuestas más innovadoras, con una fuerte base tecnológica, y en representación de diferentes sectores: software y servicios de computación, animación y videojuego, artes audiovisuales, arte y diseño, moda, publicidad y editorial. Esta selección, se presentará en un encuentro que se organiza alrededor de una serie de espacios destinados a la presentación, reflexión y experimentación de ideas innovadoras en el campo de las ICC: 

#ShowArea (100 proyectos seleccionados contarán con un espacio de exhibición y punto de encuentro para su presentación ante inversores y público), #ZincShows (para celebrar la creatividad en los diferentes sectores presentes en el evento), #ZincNetwork (para el intercambio de ideas y experiencias), #ZincZone (donde descansar y reflexionar sobre los estímulos recibidos), #ZincTalks (para aprender y charlar), #ZincLabs (donde participar de las nuevas ideas y herramientas) y muchas otras actividades paralelas que complementan esta ducha de creación cultural.

Para celebrar la existencia de eventos de estas características en un momento especialmente complicado para las ICC, 'Historias de Arte' os ofrece la posibilidad de conseguir entradas gratuitas y descuentos del 35% para asistir a la primera edición de ZincShower a través de un sencillo concurso. ¡Al que os animo a participar!

Fotografía joven en Londres III: Nick Scaife

Coggles.com

Nick Scaife (Reino Unido, 1984) es un joven fotógrafo especializado en fotografía de moda que ha trabajado en campañas comerciales para grandes marcas y diseñadores como Moschino, Orla Kiely, Oliver Spencer y eventos como la influyente London Fashion Week.

Más allá de estos trabajos puntuales, Nick es, además, el fotógrafo que se esconde detrás de la selección de "fotografía callejera de estilo" de Coggles.com, una conocida revista online de tendencias.

La fotografía de moda, pero, parece ser sólo una fracción de su portfolio fotográfico, ya que cuenta, además, con una serie de proyectos personales que complementan estos trabajos hechos por encargo.

La mayoría de estos proyectos personales están desarrollados durante largos viajes que Nick realiza alrededor del mundo (parece tener especial preferencia por el próximo  oriente) y buscan trasladar esa visión analítica de la fotografía de moda al reportaje fotográfico etnológico.

Es el caso de sus series realizadas en Armenia, la India o en el estrecho del Bósforo de Istanbul, que separa la Europa oriental del Asia occidental, constituyéndose como quizá la frontera más significativa y evocadora existente.

"Istanbul is a cohesive city awash with contradictions. Where new entrepreneurial energy collides with the traditional melancholic air, and where the gulf between possibility and reality seems to be at its most pronounced."

Nick Scaife, "Istanbul" (2010)

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"The Last Photos", constituida a partir de imágenes instantáneas de una persona especial a quien creyó no poder volver a fotografiar jamás, es quizás la serie más personal de Nick. Este estrecho vínculo psicológico con el sujeto fotografiado confiere al conjunto de imágenes un halo que trasciende a sus cualidades individuales y que ha servido al joven fotógrafo para plantear, de una manera casi accidental, una reflexión teórica sobre la fotografía como mecanismo de fijación de lo vivido.

Así, la serie se plantea como un work in progress a modo de diario de una relación personal hasta que llegue, definitivamente, la última foto.

Nick Scaife, "The Last Photos" (2012)

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Como en los posts anteriores de la serie, os dejo un fragmento de la entrevista que hice a Nick para el catálogo de la exposición colectiva "International Photo-Graph-East-in London" en The Vyner Studio, una actividad paralela al consolidado festival de fotografía de East London Photomonth.

You have series of photographs taken in Armenia, Istanbul, South India... Have these environments shaped the way you understand photography?

Yes, I think every environment I work in shapes my understanding of photography. Armenia was an interesting trip for me as I have some Armenian heritage and an interesting family history from the region. I traveled there to get a feel for the place and to develop some ideas with a view to starting a long term project out there in the new year.

Nick Scaife, "A quick trip from Mumbai to Kerala" (2010)

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Your best known work is, probably, the “Street Style” archive for Coggles.com. Tell me a secret: what is the key style?

It's as much about the person than the clothes they are wearing. I'm not looking for the latest trends but for people that turn my head without me really having to think twice about it. I try and look for individuality, a sense of character, and people who look completely comfortable in what they are wearing. Forcing a look for the sake of being on trend doesn't make for a good outfit or a good photograph.

And where are the characters you portray from? Is London a perfect location?

The people I photograph are from all over the world, creating a really diverse range of styles and influences that probably makes London the street style capital of the world. 75% of my shots from London are probably taken in Soho as its probably London at its most diverse.

Has this kind of “street fashion photography” influenced your personal work?

I tend to try and simplify all my street style images, looking for clean and complementary backgrounds to let the person stand out in the frame, although its not always possible in a city as busy as London... I guess my personal work also aims to be fairly stripped back as I think less is often more with photography (although I'm challenging myself to think a bit differently with regards to this at the moment) so it has probably had some sort of influence on my personal work.

Which are your references?

I really admire The Sartorialist and The Locals (formally Copenhagen street style). Both blogs are right on it in terms of style and aesthetic.

What exactly are your “last photos”? 

There was a point when I thought I had taken the last photo of someone very special to me, someone who I'd taken hundreds, if not thousands of photos of before. These last images therefore attained a much greater significance to me than perhaps their individual qualities deserved, and really got me thinking theoretically about photography in quite an unintentional and natural way. The project has subsequently developed because my relationship with the subject of the series has improved significantly. As such the series is a work in progress and has become more of a diary of our time spent together, but of course there will eventually be a last photo of all of us, which is a terribly sad thought, and one that raises more questions about photography's purpose and ability.

Nick Scaife, "The Last Photos" (2012)

Fotografía joven en Londres II: Mariell Amélie

Mariell Amélie, "She had just left for
heaven, they said #3" (2011)

Criada en una pequeña isla al norte de Noruega, cerca del círculo polar, Marielle Amélie se trasladó hace unos años a Londres, donde actualmente vive y trabaja como fotógrafa de moda. Actividad, ésta, que combina con la que ya desde la infancia es su pasión: sus "autorretratos de humores". 

Según la propia artista, el hecho de criarse como hija única en esa pequeña y despoblada isla la obligó a aprender a gozar de su propia compañía, es por esta razón que se siente más libre con los autorretratos que trabajando con modelos. Así sus autorretratos, que gozan de títulos tan poéticos como "She had just left for heaven, they said" o "Sharp retractable claws, and teeth adapted to killing small prey", marcan una especie de hoja de ruta vital, sin la cual asegura Mariell que no podría vivir.

En un estilo aislado, frío y misterioso, Mariell realiza la mayoría de sus autorretratos durante sus breves viajes a su isla noruega, donde reencuentra la soledad y el silencio que marcaron su infancia. Sus retratos intemporales, inspirados en recuerdos y sueños, desprenden una aura de romanticismo del siglo XXI.

Como en el post anterior, os dejo un fragmento de la entrevista que hice a Mariell para el catálogo de la exposición colectiva "International Photo-Graph-East-in London" en The Vyner Studio, una actividad paralela al consolidado festival de fotografía de East London Photomonth:

Mariell Amélie, "Finding home series" (2012)

“Grew up on a small island, above the polar circle, in Northern Norway with her parents and a cat”, this is what we can read in the “bio” section of your website. How do you reconcile this peaceful origin with London's maelstrom? 

When I do my selfportraits I go back back to Norway. I find it hard to do my selfportraits in London because the buildings and locations is not like back home. The landscape and locations plays a big role in my portraits.

Do you think the polarity your Norway island - London is translated into your work?

After I moved to London my pictures changed a little bit. They look less naive and perhaps a little bit more cold. I miss my island when I am in London and I think that makes my feelings stronger as I am taking the pictures.

Both your commissioned work and your personal ones consist mainly of portraits with a poetic background. What's behind this halo, this “non-presence”?

I take pictures because I am not very good at painting or writing. It is my way of putting my feelings down to paper, and that is probably why my photos sometimes look a bit poetic.

The titles in your works are very poetic too, “Untitled” is not your stuff?

There is pretty much always a though behind all of my photos. I think a title makes the picture stronger and it makes people think more about what is actually going on in the picture.

What are the topics in your work?

A lot of my pictures are about waiting.

What is your working ritual?

I go home to Norway about 3 times a year, this is when I try doing most of my self-portraits. I visit old buildings and I bring my dad to help me out most of the times, as I don’t drive myself and sometimes its good having a person to test-shoot on before I go in front of the camera myself. I do like being by myself when I actually take the picture though. Before a self-portrait-shoot I plan a few outfits and I have a few ideas, but never an actually planned shot. I have to feel the house or the landscape and see what would be right to do just there and then.

Mariell Amélie, "She had just left for heaven, they said series" (2011)

Fotografía joven en Londres I: Patricia Karallis

Patricia Karallis (Mildura, Australia) es una joven australiana que desde 2006 vive, estudia y trabaja en Londres. Su obra fotográfica gira alrededor de la investigación cultural e identitaria y es el íntimo resultado de mezclar el trabajo documental con el retrato. La calidez y la sensación de soledad que transmiten sus imágenes viene dada, seguramente, por la elección de la fotografía analógica y la luz natural como principios creativos de unas obras donde el grano y el tono marcan una continuidad.

Con el proyecto "On the Cusp" (2012), Patricia se acerca al tema del "transgénero" de un modo mucho más intimista que los estereotipos tradicionales, en una especie de aproximación antropológica a una identidad de género muy concreta. Las fotos de la serie han estado tomadas con modelos voluntarios que se han dejado retratar en espacios e indumentaria con los que se sienten confortables. Y el resultado es una serie de imágenes honestas de personas en las que la condición "transgénero" aparece naturalizada como un elemento más de la identidad individual.

Patricia Karallis, "On the cusp series" (2012)

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Os adjunto un fragmento de la entrevista que hice a Patricia para el catálogo de la exposición colectiva "International Photo-Graph-East-in London" en The Vyner Studio, una actividad paralela al consolidado festival de fotografía de East London Photomonth:

What happened to an Australian girl, from the small Mildura, that moved 6 years ago to London, and why have you stayed?

The plan was for me to stay for a year but I somehow managed to live here on a more permanent basis. I’ve always had a love/ hate relationship with London; it’s the type of city where there’s a lot to take advantage of culturally - that is, if you have enough money to take advantage of it, but overall it’s quite tough. The weather is generally pretty bad, people can be quite moody, but when things start falling into place (as they slowly do), there’s nowhere else I’d rather be. It’s definitely a city that pushes you and I don’t think I would’ve gone back to photography if I hadn’t moved here. 

Do you think that an artists environment shapes their works? Is the relationship between Mildura – London influencing yours? 

I think environment shapes an artists work to a degree. Being in London has definitely exposed me to new people, experiences and influences I wouldn't normally have had the opportunity to in Australia, which has helped me to focus on what type of photographer I want to be. For me, the relationship between the 2 cities and my relationship with them both is completely different, however I feel that my aesthetic is still the same. 

Your photography is the intimate result of merging documentary work and portraits, how do you do this?

Lots of shooting and lots of editing.

And, if you had to tell me the topics and references of your work, what would you say to me?

I guess you could say I'm usually drawn to themes surrounding identity, culture and/ or class. The majority of the portraits on my sites are friends, family, or people I've met during different projects. I love Lise Sarfati’s portraits and she was a major influence on my last series On The Cusp. I love the feel of her photographs, they’re quite cinematic and I like the fact that she uses film and natural light; this is an aesthetic I also prefer when shooting portraits. There’s a sense of loneliness and maybe yearning in her photographs that I really connect with. I also love the work of Paul Graham. I went to see his retrospective show at The Whitechapel Gallery last year and it blew me away.

How does the analogue photography for your portraits tie together?

I love the richness, the grain and the colours of shooting film, as opposed to digital. I have a couple of portraits on my site that were taken with digital and for me, they stand out. I think what generally ties my portraits together is the tone and warmth of the photographs.  

Patricia Karallis, "On the cusp series" (2012)

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Let's focus in “On the Cusp”, the series which is shown in “Photo-Graph in East London”. Where does the magnetism of these characters reside?

On The Cusp was my degree final year project. I wanted to focus on a particular subject that I think is very relevant but sometimes shunned or difficult for people to understand. I also wanted to approach it in a new, different way. People who identify as transgendered have often been sexualised or portrayed with the use of stereotypes and cliches. I wanted to move away from that by having the portraits taken in each sitters home and in clothes they feel comfortable wearing day to day, with the final outcome hopefully being an open and honest discussion with people of all sex, gender and preferences. I think this is what initially draws people in; these are everyday people in everyday environments.

Arte Cotidiano. ¡Bajemos al arte del pedestal!

Uno de los valores fundamentales en Ártica es la difusión de buenas prácticas de gestión cultural independiente, con el objetivo de generar y dinamizar una red de aprendizaje colectivo. Arte Cotidiano es, sin duda, uno de estos proyectos emprendedores en gestión cultural. Nos ha llamado la atención por ser una iniciativa geográficamente distribuida (se realiza en pequeños comercios en diversas ciudades) que se hace visible no sólo en las localidades sino también a través de la red, y por su producción 100% colaborativa.

Cartel Arte Cotidiano (fragmento)

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La iniciativa de este proyecto sale de las cabecitas de los chicos de la Asociación Cultural Lemon y Coco (Montaña Hurtado y Miki Gazquez), de Cáceres, y parte de la idea de acercar el arte a todo tipo de público, sacándolo de las instituciones artísticas y llevándolo a los pequeños negocios de barrio. Pero no sólo esto; con la participación de jóvenes profesionales de la gestión cultural comisariando obras de artistas emergentes, el proyecto persigue un doble objetivo: por un lado dar una oportunidad a agentes artísticos emergentes, y por el otro dar, en la medida de sus posibilidades, un impulso a los pequeños comerciantes. “Comercios de tres ciudades se convierten en salas de exposiciones para el proyecto Arte Cotidiano” anticipaba la nota de prensa

Con este interesante planteamiento, se suman al proyecto Laura Cano (una joven historiadora del arte y museóloga de Granada) y Semíramis González (historiadora del arte y, entre otros, comisaria de la Asociación Cultural GRITO), para llevar la obra de 7 artistas a 10 tiendas de 3 ciudades españolas: Cáceres, Granada y Gijón. El pasado sábado 10 de noviembre a las 20:00h (horario español) tubo lugar la inauguración simultánea de los 10 espacios expositivos que, durante un mes, dejarán de ser simplemente “negocios de...” para convertirse, además, en auténticas salas de arte (y de lo más concurridas).


Arte cotidiano en Cáceres:

Comisarios: Montaña Hurtado y Miki Gázquez (Asociación Cultural Lemon y Coco)

Artista: Beatriz Ballesteros (fotografía de pequeño y mediano formato)

Establecimiento: Floristería Naturadecor

El proyecto según sus ideólogos, coordinadores y también comisarios, Montaña Hurtado y Miqui Gázquez:

“Estamos muy satisfechos con el resultado de todas las exposiciones y la repercusión que el proyecto está teniendo en medios de comunicación, blogs y redes sociales. Estamos muy satisfechos sobre todo porque todas las personas implicadas en Arte Cotidiano hemos participado en el proyecto de manera altruista pero con mucha ilusión. 
En el caso de la exposición de Cáceres, que nos hemos encargado de comisariar, ha resultado muy sencillo encontrae el espacio en el que realizar la exposición porque Chus y Alfredo de la floristería Naturadecor tienen muy buena disposición para colaborar. En cuanto a la elección de la artista tratamos de unir la filosofía de Arte Cotidiano de contar con artistas locales con la que seguimos en Lemon y Coco, de dar oportunidades a artistas emergentes. Conocíamos a Beatriz Ballesteros y su trabajo nos parecía que podía encajar tanto con el proyecto como con la floristería.
La inauguración fue el sábado por la tarde y el lunes cuando los dueños de la floristería fueron a ver la tienda se encontraron gente esperando para visitar la exposición. Nos ha sorprendido mucho la aceptación que está teniendo y la cantidad de gente que se ha acercado a la floristería a ver las fotos de Beatriz.”

#ARTECOTIDIANO from Lemon y Coco on Vimeo.

Arte Cotidiano en Gijón:

Comisaria: Semíramis González (Asociación Cultural GRITO)
Artistas: Begmont, Breza Cecchini, Elisa torreira, Rocío Pinín y Rodrigo Martín.

Establecimientos: 8 tiendas de ropa del centro de la ciudad (Alouette, Daniela Sierra, Marisa del Castillo, Tamar, It, Scalpers, Trench y Toscana)

El proyecto según su comisaria, Semíramis González:

“Para Arte Cotidiano yo conté con el apoyo de la asociación cultural de la que formo parte, GRITO, ya que me era imposible acudir a Gijón para el montaje. Sin embargo los artistas los escogí yo e intenté valorar la frescura en su producción, que fueran asturianos y que todos fueran emergentes, habida cuenta la necesidad de dar a conocer nuevos nombres y sus obras. En Gijón contamos con el apoyo de la Unión de Comerciantes, donde se integran la mayor parte de las tiendas de la ciudad, y que nos ayudó a seleccionar a las ocho participantes, todas en el centro. La verdad que no hemos tenido problemas con el montaje, ya que al recibir el apoyo de la Unión todas las tiendas se mostraron encantadas de apoyar esta iniciativa, que por otra parte también les beneficiaba a ellos. Además, se hizo coincidir la fecha con el próximo encendido de luces navideñas el día 5 y la actividad “De tiendas a medianoche”, que permite comprar hasta las 12 de la madrugada, pudiendo así comprar y ver arte al mismo tiempo. 

A modo de conclusión sólo diré que me ha parecido no sólo interesante sino necesaria la realización de proyectos como Arte Cotidiano, planteado desde Lemon y Coco, ya que en momentos como el que nos toca (no sólo al sector cultural) con la crisis asomando en cada esquina, es vital el apoyo entre agentes locales; convertir tiendas corrientes en espacios para el arte y “des-elitizar” el arte de los museos y cubos blancos, tan fríos para el público general”.

Arte Cotidiano en Gijón: obras de Begmont y Rocío Pinín

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Arte cotidiano en Granada:

Comisaria: Laura Cano

Artista: Juan Jesús Dueñas Ruiz (grabados)

Establecimiento: Peluquería Esperanza Muñoz

El proyecto según su comisaria, Laura Cano:

“Para mí, elegir el artista fue fácil. Conozco la obra de Juan Jesús. Es meticuloso, entregado y se adaptaba perfectamente a las condiciones del local. 

Esperanza Muñoz, la peluquera, estuvo encantada con el proyecto desde el principio. Ha colaborado en todo momento con mucha ilusión. Trabajando en equipo y con muchas ganas, el resultado ha sido el esperado. Me ha parecido una experiencia genial, estupendamente coordinada tanto en general como en cada caso concreto. 

Tengo ganas de montar algo con obras en soportes como el vídeo o la instalación, pero obviamente en este caso, eso era imposible, por ello, saber adaptarse a cada contexto creo que también es prueba de organización y previsión en el trabajo. 

Todas las exposiciones han quedado perfectas. Se ha conseguido con creces el objetivo del proyecto. Feliz con ello”.

Arte Cotidiano en Granada from Lemon y Coco on Vimeo.

El proyecto, según la organización y los participantes, parece haber sido un éxito rotundo. Y es que una iniciativa así no merece otra cosa.


[Publicado en Ártica, Centro Cultural 2.0]

Arte emergente y casitas en miniatura

Una de mis películas preferidas empieza con una casa en Tejas que sale volando y con una chica calzada con brillantes zapatos rojos que echa de menos a sus granjeros tíos.
Me atraen irracionalmente las casitas, lo confieso, y ya en la última edición de JustMAD no pude evitar fijarme en ello. Intenté no darle importancia, pensé que se trataba de un hecho casual. Pero durante los pasados nueve meses mi inocente negación se ha ido haciendo fuerte a base de observar la misma tendencia en blogs y artículos: el arte emergente tiene una especie de affaire con las casitas en miniatura (que bien podrían ser esas casas voladoras de Tejas).

Recreaciones detallistas a lo "casa de muñecas", amasijos de muebles y trastos que remiten al carrito de los homeless, artilugios mecanizados que te transportan al rincón infantil debajo la ventana del cuarto de coser, casas en árboles, tiendas de campaña principescas entre escritorios, todo vale a algunos artistas para reflexionar sobre este polémico bien: la casa.

Thomas Doyle (Michigan, 1976)

Thomas Doyle, Varios trabajos de la serie "Distillations"
(2004). Fotografía de Martino Margheri.

La casa fue la piedra angular de la cultura americana de la sociedad del bienestar y, para este joven artista, el motivo principal de su trabajo. A través de unas perfectas pero siniestras recreaciones escultóricas a pequeña escala de las ya clásicas casas adosadas americanas, Doyle denuncia la precariedad que se esconde detrás de la tan codiciada lar. A menudo protegidas por urnas de cristal - hecho que las eleva de algún modo a objetos de lujo -, el espectador puede aproximarse a las casas de Doyle como un "ojo que todo lo ve", escrutando a las familias que siguen con su vida rutinaria sin darse cuenta que todo a su alrededor está apunto de derrumbarse. Se trata, ni más ni menos, de una clara metáfora de la precaria situación que ha acarreado esa obsesión por equiparar la propiedad inmobiliaria con la "familia feliz".

Brock Davis (Minneapolis)

Este diseñador y director creativo estadounidense ha hecho de la creatividad un pilar para su vida y, más allá de sus trabajos publicitarios, destacan sus esculturas efímeras realizadas con comida. Entre las obras-comida de Davis encontré una casita del árbol construida en un brocoli en la que, más que una actitud crítica, se desprende un halo de juego que invita al adulto a recuperar la ilusión infantil de pensar que "en mi casa del árbol el tiempo se detiene y nada puede ir mal". No podréis negarme que al verla uno se ve inevitablemente empujado a sonreír.

Brock Davis, "Brocoli House" (2011) · Andrea Canepa "To live as if it was possible to recover certainity" (2012)

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Andrea Canepa (Lima, 1980)

La obsesión de esta peruana por las casas se hace evidente al visitar su página web, donde todo remite a la cotidianidad de la lar. ¿Y qué se supone que es exactamente una casa? Andrea nos invita a pensar sobre el hábitat, sobre una existencia que, nos guste o no, debemos compartir en un espacio, medio natural medio construido, medio seguro medio derrumbable, medio sólido medio conceptual, medio real medio imaginado. Casas con árboles dentro. Casas sin árboles fuera. Casas a pesar de todo.


Sabine Timm (Düsseldorf)

Sabine Timm, "Collection of piles" (2011)

Sabine cuenta cuentos de niñas-princesa que se esconden debajo de pilas de muebles, y hacen de ellas su infranqueable castillo.
¿Qué pasaría si recogiera muebles bonitos en la calle el día de desecho y me acurrucara debajo de ellos? ¿Cómo sería ese maravilloso castillo construido a pedazos?
No son casas en sentido estricto esta vez, de acuerdo, pero estoy segura que miente quien percibe estos fardos de madera en miniatura como un reducto seguro. Niños somos todos, y la protección de este castillo de artilugios es más necesaria que nunca.

Ana Sofía Gonçalves (Lisboa, 1979)

Ana Sofía Gonçalves, "Casa com jardim" (2008)

Construir artesanalmente sueños verdaderos ha sido, de siempre, la utopía vanguardista de la humanidad. Si vamos más allá de los límites arquitectónicos, si concebimos engranajes, mecanismos, árboles, aceras, inodoros, baldosas, cortinas estampadas de PVC y todo lo demás, una casa es una casa. No necesitamos paredes, tan solo un sitio donde echar raíces. Y esto, justamente, es lo que Ana Sofía busca mostrar con sus artilugios, un rinconcito poético hecho a base de cuentos y para uno mismo, una forma contemporánea y alienígena de reentender la lar.

Joâo Mouro, "Ricas Vidas" (2010)

Joâo Mouro (Faro, 1985)

La obra de Joâo Mouro no dista mucho de la de su compatriota Ana Sofía.
La reflexión sobre la complexa condición del consumidor urbano reluce en la madera barnizada de las pequeñas esculturas móviles de Mouro, unas piezas que navegan entre lo estético, lo funcional y lo reflexivo y que, asumiendo la responsabilidad de replantear el imaginario arquitectónico heredado, preguntan sobre la desestructurada casa imposible - ese espacio cálido descendiente de la utópica matriz -, esa casa que, sin estructuras, contiene la esencia de la lar.

Así que... ¿qué cosa es la casa?

Hacia una Economía Social de la Cultura. #cursolibrebus

Fotografía original de Julie Falk

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Como apuntan Lilia Pagola y Mariana Fossatti en sus respectivos posts ("Licencias libres como alternativa al copyright" y "Modelos basados en licencias libres en el arte y la cultura") correspondientes a la segunda y tercera clase del curso "Arte y cultura en circulación", hay que contextualizar el nacimiento de las Licencias Libres para contenidos culturales en el marco de la expansión de Internet, una red libre, abierta y distribuida.

Dentro de este nuevo contexto, la circulación (distribución) de los productos culturales se hace más libre, intuitiva y descontrolada, por lo que la estricta cadena del copyright basada en el trinomio Creación - Distribución - Consumo (con sus agentes perfectamente definidos, especialmente aquellos que atañen a la distribución) empieza a desmembrarse. Los consumidores tradicionales devienen creadores de contenidos (a través de los blogs), imágenes y vídeos (gracias a las plataformas para el intercambio de material audiovisual digitalizado), etc. A la vez, los creadores se tornan ellos mismos en medios de difusión de su obra (a través de la participación en redes sociales, por ejemplo) y en consumidores de la obra de otros, que ahora pueden reinterpretar, remixar o derivar.

No nos encontramos, por lo tanto, frente a un nuevo sistema de distribución de las obras  que amenaza la unicidad y la calidad de los productos culturales (como los acérrimos defensores del copyright pretenden hacernos creer), sino ante una nueva forma de entender el propio proceso creativo, la autoría y la obra.

Pensemos en los agentes culturales (artistas, escritores, músicos, etc.) que han optado por prescindir del sistema de copyright, que los hay. ¿Por qué estos creadores renunciarían a participar de esta consolidada cadena y la garantía de un porcentaje de ingresos de garantiza? Mariana, en su post, apunta algunos beneficios que las licencias libres suponen para estos artistas: La distribución independiente y gratuita de su obra, una mayor difusión o el crecimiento y la proyección a partir de obras derivadas.

A éstos, podríamos añadir una serie de beneficios derivados, que poco tienen que ver con la premisa inversión - beneficio, que sirve de base al capitalismo: la reputación, por ejemplo de bloggers (escritores) que ven abaladas sus opiniones por el "boca-oreja" digital; la  facilidad de interacción con otras obras o artistas, para fomentar un trabajo colaborativo más enriquecedor; o, como apunta Pablo Ortellado, la participación en la creación de una Economía social de la cultura, más igualitaria, accesible y libre de cánones.

"Tal y como el copyright es un instrumento legal que crea una escasez artificial para generar ingresos para los titulares de los derechos, la superación de ésta práctica genera abundancia" (Pablo Ortellado).