La reivindicación del collage

El collage - una técnica artística basada en el ensambalje de lenguajes gráficos de distintas naturalezas - fue aceptado históricamente como lenguaje artístico gracias al uso profuso que de él hicieron los pintores cubistas, como Braque o Picasso (quienes, de hecho, se disputan su "invención"). 

Pablo Picasso, "Naturaleza muerta sobre silla de rejilla" (1912)

Estos artistas descubrieron en el collage las posibilidades expresivas de la imaginería gráfica de lo cotidiano, superando así los "anticuados" materiales nobles propios de las Bellas Artes.

Después de éstos, y a lo largo de todo el siglo XX - futuristas, dadaistas, los chicos del pop art, y demás vanguardistas y posmodernos - expandieron las posibilidades expresivas y conceptuales de este nuevo lenguaje, llevándolo incluso al plano digital.

Así - y a pesar de ser un lenguaje completamente abierto, aparentemente carente de reglas, abierto a toda clase de subjetividades y estrechamente vinculado a "lo cotidiano", o a lo mejor precisamente por ésto - el collage ha superado la transición de siglo, consolidándose como "forma de expresión contemporánea". Y de esto son testigo una serie de artistas emergentes que, ya completamente adentrados en el siglo de lo digital, reivindican el componente táctil y la capacidad expresiva que de su material se desprende.

Maurizio Anzeri (Loano, Italia, 1969)

A partir de una extensa colección de retratos fotográficos anónimos, adquiridos concienzudamente en mercados de antigüedades y tiendas de viejo, Anzeri seleccionó 25 imágenes de los años 30 y 40 para aplicarles una serie de patrones de hilo bordado. Este material configuró su primera muestra en solitario en la galería británica Baltic Centre for Contemporary Art durante el año 2011.

Maurizio Anzeri, "Round Midnight" i "Family Day" (2009)

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Más allá del componente táctil y tridimensional que el hilo otorga a las imágenes, las intervenciones de Anzeri actúan como máscaras que cargan de connotaciones sujerentes a estos personajes anónimos; ocultándoles y dándoles, así, un nuevo juego identitario.

Eugenia Loli (Preveza, Grecia, 1973)

Nacida en Grecia, pero con base en California (después de pasar por sitios como Alemania o Inglaterra), Eugenia Loli realiza sus mashups digitales a partir de fotografías antiguas. Su trabajo - construido a base de combinar lo vintage con lo contemporáneo y reconocido pletóricamente en plataformas como tumblr - está teñido de una sensibilidad femenina que logra un delicado equilibrio entre el placer visual y una cierta intriga.

Eugenia Loli, "Normalization", "Fabler busters" y "Hotel California"

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Eugenia Loli se nutre de su pasado a caballo entre disciplinas - ha sido enfermera, programadora informática, periodista especializada en tecnología y directora de cine - para jugar con los lenguajes propios de éstos mundos, mezclándoos con una voluntad que recupera lo surrealista del collage.

Para más información, podéis leer las FAQ que la misma artista responde en su página de tumblr o visitar sus álbumes en Flickr.

Eli Craven, "Screen lovers" (2013)

Eli Craven (Idaho Falls, EUA, 1979)

"Del collage 3D al origami hay solo un paso". Ésta podría ser la máxima (o una de ellas) de Eli Craven, la joven estadounidense que se encuentra detrás de estas piezas a medio camino entre la fotografía (a menudo reciclada), la escultura y el collage.

El suyo sí es un collage táctil. Hecho del mismo material y técnica que la papiroflexia, la obra de Craven se fundamenta en el imaginario del gesto, hasta regocijarse en él, creando estructuras hechas a base de pliegues que esconden historias y a la vez las crean.

A partir de imágenes fijas casi icónicas, que remiten a los fotogramas cinematográficos, la mayoría de trabajos de Craven analizan los procesos de interacción y socialización del hombre. El amor, la pasión, la máscara identitaria o la condolencia son temas recurrentes en las series de Eli Craven. Como bien podrían serlo la apatía, la confrontación o la gula.


Viéndolo así, se me antoja que el suyo es un trabajo que se aproxima a lo cinematográfico... Bien, sea como sea, lo interesante aquí es la capacidad de un lenguaje artístico (aparentemente) tan naïf como el collage logra expandirse y asentarse (de nuevo) como alternativa low cost para los "materiales nobles" de las bellas artes.

Art Austria, la feria de arte se traslada al museo

He tenido el placer de pasar este fin de semana en la preciosa ciudad de Viena, una de las capitales artísticas europeas por excelencia.

Durante estos días (del 11 al 14 de abril), ha tenido lugar ahí la sexta edición de Art Austria, una muestra exclusiva de arte austriaco en la que 50 galerías exhibieron sus mejores artistas, desde los consolidados hasta los más emergentes.

Lo que llama especialmente la atención en este evento, más allá de la alta calidad de la mayoría de las obras seleccionadas, es el hecho que la feria se realizara en las 3 plantas inferiores del Museo Leopold, el cubo blanco del Museums Quartier de Viena (que ostenta, además, una impresionante colección de Secesionismo, Modernismo y Expresionismo Vienés).

Este novedoso formato rompe las tradicionales barreras entre el museo y el mercado del arte, entre la conservación y goce y la comercialización; proponiendo un interesante encuentro entre lo coleccionado y lo coleccionable. Con la inclusión del "regateo" ferial, el museo deja de ser ese sitio silencioso, sacralizado y semivacío, para llenarse de una inusitada vitalidad; Con su traslado al "templo del arte" la feria minimiza la banal artificiosidad comercial, haciéndose mucho más amigable para aquellos asistentes que no gozamos de una "billetera VIP". 

Art Austria representa, pues,  una buena medida para los ajetreados tiempos que vivimos, en los que la participación (tanto de galerías como de público) en eventos de estas características se ve menguada por las dificultades económicas.

Como ya viene siendo una tradición en 'Historias de Arte' (hice lo mismo para JustMAD y SWAB Art Fair) os propongo una selección de las propuestas más interesantes de esta edición de la feria vienesa a través de un Pinboard de Pinterest, así como un listado de las galerías y artistas destacados:

• Kunsthandel Widder (Viena): Gottfried Salzmann
• ZS art Galerie (Viena): Irene Wölfl
• Galerie 22a (Innsbruck): Anne-Marie Julien
• artdepot (Innsbruck): Aron Demetz
• Galerie Wolfgang Exner (Viena): Emil Herker
• Galerie Lang (Viena): Franz Beer y Stefan Zsaitsits
• Galerie Gans (Viena): Alfredo Barsuglia
• Kro Art Contemporary (Viena): Ina Loitzl
• Galerie Krinzinger (Viena): Eva Schlegel
• Charim Galerie (Viena): Lisl Ponger

Pinboard de Art Austria 2013

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Os recuerdo, además, que en el apartado 'Enlaces y recursos' de este blog podréis encontrar el link a las páginas web de estas y más galerías de arte.

Arte Cotidiano. ¡Bajemos al arte del pedestal!

Uno de los valores fundamentales en Ártica es la difusión de buenas prácticas de gestión cultural independiente, con el objetivo de generar y dinamizar una red de aprendizaje colectivo. Arte Cotidiano es, sin duda, uno de estos proyectos emprendedores en gestión cultural. Nos ha llamado la atención por ser una iniciativa geográficamente distribuida (se realiza en pequeños comercios en diversas ciudades) que se hace visible no sólo en las localidades sino también a través de la red, y por su producción 100% colaborativa.

Cartel Arte Cotidiano (fragmento)

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La iniciativa de este proyecto sale de las cabecitas de los chicos de la Asociación Cultural Lemon y Coco (Montaña Hurtado y Miki Gazquez), de Cáceres, y parte de la idea de acercar el arte a todo tipo de público, sacándolo de las instituciones artísticas y llevándolo a los pequeños negocios de barrio. Pero no sólo esto; con la participación de jóvenes profesionales de la gestión cultural comisariando obras de artistas emergentes, el proyecto persigue un doble objetivo: por un lado dar una oportunidad a agentes artísticos emergentes, y por el otro dar, en la medida de sus posibilidades, un impulso a los pequeños comerciantes. “Comercios de tres ciudades se convierten en salas de exposiciones para el proyecto Arte Cotidiano” anticipaba la nota de prensa

Con este interesante planteamiento, se suman al proyecto Laura Cano (una joven historiadora del arte y museóloga de Granada) y Semíramis González (historiadora del arte y, entre otros, comisaria de la Asociación Cultural GRITO), para llevar la obra de 7 artistas a 10 tiendas de 3 ciudades españolas: Cáceres, Granada y Gijón. El pasado sábado 10 de noviembre a las 20:00h (horario español) tubo lugar la inauguración simultánea de los 10 espacios expositivos que, durante un mes, dejarán de ser simplemente “negocios de...” para convertirse, además, en auténticas salas de arte (y de lo más concurridas).


Arte cotidiano en Cáceres:

Comisarios: Montaña Hurtado y Miki Gázquez (Asociación Cultural Lemon y Coco)

Artista: Beatriz Ballesteros (fotografía de pequeño y mediano formato)

Establecimiento: Floristería Naturadecor

El proyecto según sus ideólogos, coordinadores y también comisarios, Montaña Hurtado y Miqui Gázquez:

“Estamos muy satisfechos con el resultado de todas las exposiciones y la repercusión que el proyecto está teniendo en medios de comunicación, blogs y redes sociales. Estamos muy satisfechos sobre todo porque todas las personas implicadas en Arte Cotidiano hemos participado en el proyecto de manera altruista pero con mucha ilusión. 
En el caso de la exposición de Cáceres, que nos hemos encargado de comisariar, ha resultado muy sencillo encontrae el espacio en el que realizar la exposición porque Chus y Alfredo de la floristería Naturadecor tienen muy buena disposición para colaborar. En cuanto a la elección de la artista tratamos de unir la filosofía de Arte Cotidiano de contar con artistas locales con la que seguimos en Lemon y Coco, de dar oportunidades a artistas emergentes. Conocíamos a Beatriz Ballesteros y su trabajo nos parecía que podía encajar tanto con el proyecto como con la floristería.
La inauguración fue el sábado por la tarde y el lunes cuando los dueños de la floristería fueron a ver la tienda se encontraron gente esperando para visitar la exposición. Nos ha sorprendido mucho la aceptación que está teniendo y la cantidad de gente que se ha acercado a la floristería a ver las fotos de Beatriz.”

#ARTECOTIDIANO from Lemon y Coco on Vimeo.

Arte Cotidiano en Gijón:

Comisaria: Semíramis González (Asociación Cultural GRITO)
Artistas: Begmont, Breza Cecchini, Elisa torreira, Rocío Pinín y Rodrigo Martín.

Establecimientos: 8 tiendas de ropa del centro de la ciudad (Alouette, Daniela Sierra, Marisa del Castillo, Tamar, It, Scalpers, Trench y Toscana)

El proyecto según su comisaria, Semíramis González:

“Para Arte Cotidiano yo conté con el apoyo de la asociación cultural de la que formo parte, GRITO, ya que me era imposible acudir a Gijón para el montaje. Sin embargo los artistas los escogí yo e intenté valorar la frescura en su producción, que fueran asturianos y que todos fueran emergentes, habida cuenta la necesidad de dar a conocer nuevos nombres y sus obras. En Gijón contamos con el apoyo de la Unión de Comerciantes, donde se integran la mayor parte de las tiendas de la ciudad, y que nos ayudó a seleccionar a las ocho participantes, todas en el centro. La verdad que no hemos tenido problemas con el montaje, ya que al recibir el apoyo de la Unión todas las tiendas se mostraron encantadas de apoyar esta iniciativa, que por otra parte también les beneficiaba a ellos. Además, se hizo coincidir la fecha con el próximo encendido de luces navideñas el día 5 y la actividad “De tiendas a medianoche”, que permite comprar hasta las 12 de la madrugada, pudiendo así comprar y ver arte al mismo tiempo. 

A modo de conclusión sólo diré que me ha parecido no sólo interesante sino necesaria la realización de proyectos como Arte Cotidiano, planteado desde Lemon y Coco, ya que en momentos como el que nos toca (no sólo al sector cultural) con la crisis asomando en cada esquina, es vital el apoyo entre agentes locales; convertir tiendas corrientes en espacios para el arte y “des-elitizar” el arte de los museos y cubos blancos, tan fríos para el público general”.

Arte Cotidiano en Gijón: obras de Begmont y Rocío Pinín

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Arte cotidiano en Granada:

Comisaria: Laura Cano

Artista: Juan Jesús Dueñas Ruiz (grabados)

Establecimiento: Peluquería Esperanza Muñoz

El proyecto según su comisaria, Laura Cano:

“Para mí, elegir el artista fue fácil. Conozco la obra de Juan Jesús. Es meticuloso, entregado y se adaptaba perfectamente a las condiciones del local. 

Esperanza Muñoz, la peluquera, estuvo encantada con el proyecto desde el principio. Ha colaborado en todo momento con mucha ilusión. Trabajando en equipo y con muchas ganas, el resultado ha sido el esperado. Me ha parecido una experiencia genial, estupendamente coordinada tanto en general como en cada caso concreto. 

Tengo ganas de montar algo con obras en soportes como el vídeo o la instalación, pero obviamente en este caso, eso era imposible, por ello, saber adaptarse a cada contexto creo que también es prueba de organización y previsión en el trabajo. 

Todas las exposiciones han quedado perfectas. Se ha conseguido con creces el objetivo del proyecto. Feliz con ello”.

Arte Cotidiano en Granada from Lemon y Coco on Vimeo.

El proyecto, según la organización y los participantes, parece haber sido un éxito rotundo. Y es que una iniciativa así no merece otra cosa.


[Publicado en Ártica, Centro Cultural 2.0]

Arte emergente y casitas en miniatura

Una de mis películas preferidas empieza con una casa en Tejas que sale volando y con una chica calzada con brillantes zapatos rojos que echa de menos a sus granjeros tíos.
Me atraen irracionalmente las casitas, lo confieso, y ya en la última edición de JustMAD no pude evitar fijarme en ello. Intenté no darle importancia, pensé que se trataba de un hecho casual. Pero durante los pasados nueve meses mi inocente negación se ha ido haciendo fuerte a base de observar la misma tendencia en blogs y artículos: el arte emergente tiene una especie de affaire con las casitas en miniatura (que bien podrían ser esas casas voladoras de Tejas).

Recreaciones detallistas a lo "casa de muñecas", amasijos de muebles y trastos que remiten al carrito de los homeless, artilugios mecanizados que te transportan al rincón infantil debajo la ventana del cuarto de coser, casas en árboles, tiendas de campaña principescas entre escritorios, todo vale a algunos artistas para reflexionar sobre este polémico bien: la casa.

Thomas Doyle (Michigan, 1976)

Thomas Doyle, Varios trabajos de la serie "Distillations"
(2004). Fotografía de Martino Margheri.

La casa fue la piedra angular de la cultura americana de la sociedad del bienestar y, para este joven artista, el motivo principal de su trabajo. A través de unas perfectas pero siniestras recreaciones escultóricas a pequeña escala de las ya clásicas casas adosadas americanas, Doyle denuncia la precariedad que se esconde detrás de la tan codiciada lar. A menudo protegidas por urnas de cristal - hecho que las eleva de algún modo a objetos de lujo -, el espectador puede aproximarse a las casas de Doyle como un "ojo que todo lo ve", escrutando a las familias que siguen con su vida rutinaria sin darse cuenta que todo a su alrededor está apunto de derrumbarse. Se trata, ni más ni menos, de una clara metáfora de la precaria situación que ha acarreado esa obsesión por equiparar la propiedad inmobiliaria con la "familia feliz".

Brock Davis (Minneapolis)

Este diseñador y director creativo estadounidense ha hecho de la creatividad un pilar para su vida y, más allá de sus trabajos publicitarios, destacan sus esculturas efímeras realizadas con comida. Entre las obras-comida de Davis encontré una casita del árbol construida en un brocoli en la que, más que una actitud crítica, se desprende un halo de juego que invita al adulto a recuperar la ilusión infantil de pensar que "en mi casa del árbol el tiempo se detiene y nada puede ir mal". No podréis negarme que al verla uno se ve inevitablemente empujado a sonreír.

Brock Davis, "Brocoli House" (2011) · Andrea Canepa "To live as if it was possible to recover certainity" (2012)

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Andrea Canepa (Lima, 1980)

La obsesión de esta peruana por las casas se hace evidente al visitar su página web, donde todo remite a la cotidianidad de la lar. ¿Y qué se supone que es exactamente una casa? Andrea nos invita a pensar sobre el hábitat, sobre una existencia que, nos guste o no, debemos compartir en un espacio, medio natural medio construido, medio seguro medio derrumbable, medio sólido medio conceptual, medio real medio imaginado. Casas con árboles dentro. Casas sin árboles fuera. Casas a pesar de todo.


Sabine Timm (Düsseldorf)

Sabine Timm, "Collection of piles" (2011)

Sabine cuenta cuentos de niñas-princesa que se esconden debajo de pilas de muebles, y hacen de ellas su infranqueable castillo.
¿Qué pasaría si recogiera muebles bonitos en la calle el día de desecho y me acurrucara debajo de ellos? ¿Cómo sería ese maravilloso castillo construido a pedazos?
No son casas en sentido estricto esta vez, de acuerdo, pero estoy segura que miente quien percibe estos fardos de madera en miniatura como un reducto seguro. Niños somos todos, y la protección de este castillo de artilugios es más necesaria que nunca.

Ana Sofía Gonçalves (Lisboa, 1979)

Ana Sofía Gonçalves, "Casa com jardim" (2008)

Construir artesanalmente sueños verdaderos ha sido, de siempre, la utopía vanguardista de la humanidad. Si vamos más allá de los límites arquitectónicos, si concebimos engranajes, mecanismos, árboles, aceras, inodoros, baldosas, cortinas estampadas de PVC y todo lo demás, una casa es una casa. No necesitamos paredes, tan solo un sitio donde echar raíces. Y esto, justamente, es lo que Ana Sofía busca mostrar con sus artilugios, un rinconcito poético hecho a base de cuentos y para uno mismo, una forma contemporánea y alienígena de reentender la lar.

Joâo Mouro, "Ricas Vidas" (2010)

Joâo Mouro (Faro, 1985)

La obra de Joâo Mouro no dista mucho de la de su compatriota Ana Sofía.
La reflexión sobre la complexa condición del consumidor urbano reluce en la madera barnizada de las pequeñas esculturas móviles de Mouro, unas piezas que navegan entre lo estético, lo funcional y lo reflexivo y que, asumiendo la responsabilidad de replantear el imaginario arquitectónico heredado, preguntan sobre la desestructurada casa imposible - ese espacio cálido descendiente de la utópica matriz -, esa casa que, sin estructuras, contiene la esencia de la lar.

Así que... ¿qué cosa es la casa?

Iker García Barrenetxea y su "Western LifeStyle Everyday Recipe". London 2012.

"More and more, we live in a world that aims to control, ups, sorry, I mean connect everything. New apps, gadgets and links... lots of links, some very useful some... not so much. And these are key ingredients of the WLSER (Western Life Style Everyday Recipe).

I assume that because we are witnessing so many different forms of connecting information every now and then, as a result we are unconsciously training our "analog" brains to establish links with any information we deal with. Far from being different to the mass this phenomenon affects mee too. And I guess that this is how I ended up with this drawings.

With this exhibition I want to give you a bit of my imagination that I have managed to link to my hand, linked to a marker pen, then linked to a piece of paper. NOTE: If you do this same process you can have your own drawings ;) I hope that on this exhibition you see reflected a bit of London, of 2012, the games and also a bit of yourself. Have a nice day!"

Con este texto se presenta la exposición de Iker García Barrenetxea (San Sebastián, 1979) WLSER en The Vyner Studio (os sonará, quizás, por la exposición del otoño pasado "Barcelona Design meets London Design" coordinada con el BCD y en el contexto del London Design Festival 2011), un pequeño pero dinámico espacio fundado por el mismo artista, situado en el East London - una zona tradicionalmente industrial que desde los últimos años está redefiniéndose como una encrucijada fundamental para el arte británico más emergente, a partir de la proliferación de estudios artísticos y pequeñas galerías -.

The Vyner Studio. 1 Vyner St. | E2 9DG | London | UK

Basándose en diferentes formas de comunicación propias del siglo XXI - los nuevos media, las app para smartphone, los gadgets y links propios del social media o la publicidad - y en cómo estos "ingredientes" se entremezclan con nuestra cotidianidad, las ilustraciones de Iker nos devuelven a la simplicidad del papel, la línea y el no color, en una reflexión sobre el contexto social saturado propio de los eventos olímpicos y, en cierta medida, característico también de la sociedad y la identidad británicas con las que este joven vasco convive desde hace más de 10 años.

Siguiendo con este concepto fundamental de "vuelta a la esencia del arte" que se desprende de la recuperación del dibujo y la temática olímpica - como una vuelta a la forma de mirar de esos filósofos griegos que sentaron las bases de nociones fundamentales para el arte como la belleza o la mímesis -, Iker nos presenta una muestra constituida a partir de dibujos originales en papel clavados a la pared. Así, una vorágine de trazos negros, inscripciones, retratos caricaturescos, siluetas de deportistas en acción, y alusiones a temas paradigmáticos del mundo contemporáneo, llenan el blanco espacio del Vyner St., en una referencia más que directa a la sociedad cosmopolita.

Las características de la muestra nos hablan, más allá del elaborado contenido artístico, de la propia estrategia de supervivencia (sustainability, que dicen los ingleses) de la galería y del artista - además de la obra original, la sala ofrece "merchandising WLSER": pósters, pequeñas litografías enmarcadas, camisetas, y se planteaba la posibilidad de incluir un "libro para colorear" para adultos, consituido a partir de las ilustraciones de Iker e invitando al espectador a realizar sus propias masterpieces -.

La idea de "exposción low cost" va tomando fuerza en los tiempos que corren, ferias de arte virtuales, debates de arte a través de hashtags o exposiciones en la blogsfera, son iniciativas de un colectivo de gestores que han tomado ya consciencia del tortuoso camino que la cultura está emprendiendo en esta época de crisis. Iker se suma a este "descenso del pedestal" de la cultura apostando por una obra en formato poster, en una serie que puede archivarse y enviarse en un tubo de cartón y que se puede montar desde en galerías a espacios urbanos; ofreciendo su propia respuesta a la pregunta contemporánea de ¿qué pasará con la conservación y difusión de las obras de arte clásicas, en un panorama económico como el contemporáneo?

De esta manera, WLSER se presenta como algo más que una serie finita de dibujos, es más bien el concepto que podría englobar un amplio abanico de "productos artísticos" que pretenden reflexionar sobre las características psicológicas del mundo global contemporáneo y que podría ir desde las chapas más punk a obras finalizadas y deliciosamente enmarcadas para "nuestros maravillosos salones decorados al gusto del consumidor" (según palabras del mismo artista)



[ENG]

With these words, Iker García Barrenetxea (San Sebastián, 1979) presents his exhibition WLSER at The Vyner Studio, (it may sound familiar to you due to its recent exhibition "Barcelona Design meets London Design" coordinated with BCD during the London Design Festival in October 2011 edition). It is a small but dynamic space founded by the artist on his own, and located is in East London – a traditionally industrial area that is being redefined as a fundamental point for emergent British art, on the basis of the spread of art studios and small galleries during the last few years –.

Based on different forms of communication within the twenty-first century: new media, smartphone applications, gadgets and links usually found in social media and advertising. The way these “ingredients” blend within everyday life, Iker's illustrations bring us back to the simplicity and clarity of this: paper, line and black and white. The drawings are a reflexion and reaction to the Olympics, media social saturated has given us these unique circumstances. Characteristic of British society and identity, with which this young Basque has been living for more than 10 years.

Following this fundamental concept of “returning to the essence of art” deduced from the recuperation of drawing and the Olympic topics – returning to the fundermentals of the Greek philosophers who laid the notions of beauty or mimesis –, Iker presents an exhibition made up of original ink on paper drawings tacked to the wall. In this way, a maelstrom of black lines, inscriptions, caricatural portraits, athlete silhouettes, and illusions to a contemporary world's paradigmatic issues, filling the white space at Vyner St. in a direct reference to the cosmopolitan society.

The Exhibition's characteristics talk us about galleries' and artists' sustainability (beyond the elaborate artistic content). Apart from original masterpieces, the Vyner St. showroom offers “WLSER merchandising”; posters, small framed lithographs, T-shirts, this presented the possibility of including a “coloring book” for adults, made from compiling Iker's illustrations, where the viewer is invited to create their own masterpieces.

Presently, the “Low Cost Exhibition” idea is taking shape: online art fairs, debates via hashtags or exhibitions on the blogosphere are initiatives of a group of cultural managers who have already become aware of the culture's tortuous path in this time of financial crisis. Iker's contribution to this culture “pedestal drop” is a poster formated work of art that can be stored and sent in a cardboard tube, and shown from galleries to urban spaces. This way, Iker is offering his own answer to the contemporary question of how conservation and diffusion of classic masterpieces must be understood in this new economic landscape?

Thus, WLSER is presented as something more than a finite series of drawings, this is a concept that could include a wide range of “artistic products” reflecting on psychological characteristics of a contemporary global world, from punk pins to completed and delightfully framed works for “our wonderful halls decorated to suit the consumer” (in the artist's own words).

Los relatos interrumpidos de Theo Firmo

**Me hace mucha ilusión inaugurar esta nueva categoría del blog, dedicada a jóvenes Artistas Emergentes, con las ilustraciones de un joven brasileño que me hacen sonreir cada vez que las reconozco en alguna feria.**

Conocí a Theo (Sao Paulo, 1983) el febrero del año pasado, durante la 2a edición de la Feria JustMAD, en el stand de la Galería Columpio de Madrid, especializada en dibujo contemporáneo y obra sobre papel y que actualmente carece de espacio físico.

"Familia 3" (2009)

Con un aire tímido y una voz muy dulce me enseñó "Casa Tomada" (2009), una serie de ilustraciones que guardaba en su portfolio. En seguida me quedé prendida de esos inacabados dibujos hechos a base de líneas de tinta china sobre papel milimetrado (una de las señas de identidad de este brasileño graduado en lingüistica y semiótica).

Así, unos trazos que se interrumpen por enigmáticos espacios vacíos - invitando al espectador a completar la narración desde su experiencia individual - y la apariencia de calco casi escolar, son la base compositiva de una obra gráfica en la que lo doméstico y lo público, el simulacro y lo real, lo íntimo y lo lejano, lo seriado y lo único, lo racional y lo emotivo, lo cotidiano y lo extraño se superponen y entrecruzan sin posibilidad de disolución.

Hace un par de meses volví a coincidir con Theo, esta vez en el stand de la Galería Emma Thomas de Sao Paulo (a quien quiero agradecer el amigable trato y la información facilitada), en la quinta edición de la feria Barcelonesa Swab. Esta vez, los dibujos de Theo no estaban guardados en un portfolio, sino cuidadosamente colgados por todo el stand, en unos marcos que el mismo artista se encargaba de mantener completamente brillantes. Esta delicadeza y pulcritud guardaba una harmonía perfecta con obras como "Charla", de la Série "Suma Cero" (2010), una gran pieza de acetato intervenido con calor, que nos habla de un tiempo indefinido, carente de movimiento, en el que la imaginación del espectador para configurar la escena, tiene un papel tan importante como el fuerte elemento táctil de las texturas familiares trabajadas por el artista.

"Charla" y detalle (2010)

Parece que los estudios de comunicación y lenguaje han servido a este joven dibujante para establecer el núcleo central de su trabajo en el hecho narrativo. Su obra - basada más en referentes literarios que artísticos - constituye una narración que gira alrededor de la memoria, la ausencia y el azar; y que está compuesta a partir de signos que, como los lingüísticos, se superponen en una mezcla de dibujos inacabados que apelan directamente a las comunicaciones interrumpidas de la realidad y, sobretodo, a aquellos fragmentos que faltan y que, en ocasiones, aportan tanto o más significado que aquellos que sí están.

De la serie "Estoria Hilustrada" (2011)

De la serie "Porno o No"

De la serie "Piscinas, lagos, rios, arena movediza: bienvenidos"

Theo hablando de su obra en Swab 2012

"New" Media Art

[ACTS] Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad en el contexto del cambio de siglo.

Os dejo, como segunda entrega del post anterior, el Embed de un ensayo que he escrito sobre el New Media Art. Está escrito en catalán y analiza las prácticas artísticas internacionales que desde la Revolución Digital se basan en las nuevas Tecnologías de la Información y la Comunicación para la reflexión sobre el papel que éstas jugaron en el desarrollo cultural.

Como sabéis, los comentarios son siempre bienvenidos ;)

"Old" Media Art

De como la experimentación de los nuevos lenguajes artísticos de la Segunda Posguerra se tradujo en el origen del New Media Art contemporáneo.


Os dejo el Embed de un ensayo que he escrito sobre los orígenes del Media Art. Está escrito en catalán y analiza las prácticas artísticas realizadas entre Nueva York y Europa durante la Segunda Posguerra que utilizaron la tecnología propia de los primitivos medios de comunicación de masas para la reflexión sobre el papel que éstos jugaron en el desarrollo cultural.

A este ensayo le sigue otro, "New Media Art: [ACTS] Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad en el contexto del cambio de siglo", que sigue la misma línea de análisis en el contexto de las décadas de 1990 y 2000, y que en breve también será publicado.

Como sabéis, los comentarios son siempre bienvenidos ;)

Mi primera vez en @swabartfair

La semana pasada tuvo lugar Swab, la Feria de Arte Contemporáneo de Barcelona nacida en 2007 y que este año ha apostado más que nunca por las propuestas artísticas más emergentes, convirtiéndose así en plataforma para una nueva generación internacional de galerías.

Swab, se empapa ella misma de estas corrientes innovadoras para ofrecer, aparte de los clásicos estantes dedicados a galerías y/o solo projects, una serie de actividades que complementan la oferta artística:

• El espacio My First Art Fair da cabida (gratuitamente) a cuatro galerías con menos de dos años de trayectoria: Junge Kunst (Berlín), La Bañera Gallery (Madrid - Sevilla), MUTT Art Gallery (Barcelona) y ZAK Gallery (Siena).

• Talking Artist se presenta como ciclo de conferencias para presentar la obra de 10 artistas jóvenes (nacidos a partir de 1980) presentes en ésta edición de la feria. La obra de estos artistas podrá adquirirse a través de un innovador sistema de Vending (la Vending Art machine) que, a la vez pretende reflexionar sobre el consumo de productos artísticos.
• La Plaça de l'Univers del recinto Fira Montjuic se convirtió en espacio multidisciplinario que dió acogida a dos proyectos: (1) Swab Urban, en el que  una serie de artistas urbanos emergentes mostraron su proceso de creación en unas ART BOXES (2x2m aprox) que al terminarse también se pusieron a la venta; y (2) Swab Music, un proyecto de música en directo organizado juntamente con la Sala Razzmatazz.

Como si esto no fuera suficiente, otra importante novedad que la feria ofrece este año es el tour virtual que puede realizarse a través de la web.

Pinboard de Swab Art Fair 2012

Tal y como hice en el post dedicado a la feria JustMAD, os dejo un Pinboard de Pinterest y el listado de las propuestas, a mi entender, más interesantes de esta edición de la feria barcelonesa, repleta de proyectos jóvenes y de tendencias completamente variopintas:

• ARTCURATOR.RU Gallery (Moscú): Sonya Suhariyan
• DEA ORH (Praga): Zdenek Trs
• Galería Nuble (Santander): Antonio Díaz Grande
• Gallerianumero38 (Lucca): Luca Gaddini y Aron Demetz
• Galería Rosa Santos (Valencia): Andrea Canepa
• Galería Sicart (Vilafranca del Penedès): Alejandra Alarcón
• Jarmuschek + Partner (Berlín): Sabine Banovic
• MiTO (Barcelona): Crajes, Antonio Fernandez Alvira y Mai-Loan Tu
• Montana Gallery (Barcelona): Dhear
• Movimiento Arte Contemporanea (Milán): Domenico Grenci
• N2 Galería (Barcelona): Juan Manuel Villa-Escribano
• Black Square Gallery (Miami): Pablo Lehmann
• Pabellón 4 Arte Contemporáneo (Buenos Aires): Natalia Revilla
• Galería Emma Thomas (Sao Paulo): Theo Firmo
• Espai [B] (Barcelona): Rithika Merchant
• Galería Ángeles Baños (Badajoz): Jesús Zurita

Os recuerdo, además, que 'Historias de Arte' tiene un Stack de Delicious llamado 'Galleries', donde podréis encontrar el link a las páginas web de estas y más galerías de arte.