Pieter Hugo en "La morada del hombre"

Las fundaciones barcelonesas Foto Colectania y Suñol han elaborado conjuntamente un proyecto expositivo que ha llevado a los dos centros de la ciudad condal parte de la colección de fotografías del coleccionista Martin Z. Margulies en una exposición, "La morada del hombre", que gira alrededor de la cuestión de como el hombre habita, interacciona y construye el mundo, y que incluye a los grandes nombres de la fotografía internacional (Walker Evans, Dorothea Lange, Lee Friedlander, Ed Ruscha, Stephen Shore, William Eggleston, Helen Levitt, Andreas Grusky, Roni Horn, etc.).

Mallam Galadima Ahmadu with Jamis, Nigeria 2005
(Premio Retrato World Press Photo 2005)

La muestra, abierta al público hasta el próximo 16 de junio, está comisariada por Régis Durant y dividida en 3 ámbitos, dos de ellos ubicados en Foto Colectania y el último en la Fundació Suñol. Pero en esta ocasión, más que una crítica de la muestra (por otro lado, muy recomendable) quiero resaltar el trabajo de un fotógrafo que me impresionó especialmente.

Pieter Hugo (Johannesbourg, 1976) es un joven fotógrafo sudafricano que trabaja mayoritariamente el retrato, uniendo la tradición de la fotografía documental con las raíces artísticas africanas, que le llevó a ganar el primer premio en la categoría de retrato del certámen World Press Photo en su edición de 2005.

A través de la reflexión que ofrece el trabajo con una cámara de medio formato y la agrupación en series, las fotografías de Hugo muestran una especie de 'cara oculta de lo africano' influenciadas, sin duda, por su condición de hombre blanco en un continente que, a menudo, no lo reconoce como hijo propio.

La serie The Hyenna and other men, de la que está extraída la foto ganadora del WPP, muestra imágenes de un gurpo de hombres (acusados por la prensa de ser atracadores de bancos, camellos o recaudadores de impuestos) que pasean por la ciudad de Lagos con una hiena encadenada. El grupo resultó ser finalmente una unión de animadores y vendedores de hierbas medicinales que tenían al salvaje animal adiestrado para interaccionar con la población, así, las imágenes de la serie, muestran un salvajismo contenido que asemeja al adiestrador con el adiestrado.

Otras series del artista, relizadas durante sus constantes viajes por todo el continente, muestran personajes en el contexto de Nollywood (centro de la producción cinematográfica realístico-dramática africana), el genocidio de la minoría tutsi en Rwanda, la polifacética población de Musina o retratos de enfermos de SIDA o albinismo.

Las fotografías de Hugo, han sido a menudo acusadas de sensacionalismo y de sacar partido de los colectivos más desfavorecidos; acusaciones de las que el artista se defiende argumentando que "mis intenciones no son malignas de ningún modo, a pesar de lo que diga la gente. He viajado por todo África para hacer mis fotos, lo sé, pero a la vez no formo parte de este continente... No puedo reclamar tener una voz auténticamente africana, pero sí puedo afirmar que tengo una honesta". De nuevo, la polémica está servida.

Escort Kama (Enugu, Nigeria 2008) · Nayanza graveyard (on the road between Kigali and Bujumbura, Rwanda) · Liz and Neil Selby with some of their cats (Musina)

El nuevo "Malestar en la cultura"

Fotografía original de Tanakawo

Sigmund Freud, a principios de los años 30 del pasado siglo, tituló como "Malestar en la cultura" un discurso más bien sociológico que, en términos esloganistas, permanece vigente 80 años después.

En este primer post que escribo para Ártica voy a intentar, a partir del análisis de una serie de sucesos que han tenido lugar en el último mes en relación con la cultura y su presencia en internet, fomentar la reflexión sobre el panorama de la comunicación cultural online y apuntar, como Mariana hizo en su post “Los blogs y la conversación sobre arte”, alguna posible hipótesis.

#ARTEYUNCAFÉ (17 de febrero)

En el contexto del Fin de Semana del Arte en Madrid, tuvo lugar el encuentro #Arteyuncafe (evento organizado por @VeoArte a modo de desvirtualización de un proyecto que llevaba tiempo desarrollándose online). En la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, una serie de profesionales y especialistas de la cultura y las TIC, blogueros culturales, tuiteros aficionados a la cultura y estudiantes de la misma facultad (se añadieron espontáneamente a última hora) reflexionamos sobre las diferentes caras del desarrollo y uso del arte en la web 2.0.

De este encuentro, salieron varias ideas interesantísimas; yo me quedé esencialmente con dos cosas: la primera fue la poca participación de instituciones y galerías en el evento; y la segunda la idea (presentada por @mediamusea y secundada por todos en el debate posterior) de que “los museos están en las redes, pero no son sociales”. Ante estas sintéticas conclusiones, el vacío comunicativo que parece existir entre las instituciones culturales y los usuarios en la web 2.0 se hizo evidente.

#UNCMPARAELPRADO (27 de febrero)

Unos días después, y un poco como consecuencia de comentarios que habían surgido en el evento madrileño, empezó lo que desencadenó una suerte de “crisis social media” bautizada con el hashtag #UnCMparaElPrado. Nuestra amiga Pilar DM publicó en su blog, @eldadodelarte, un post con ánimo de hacer una crítica constructiva a dos instituciones culturales que parecía no estaban llevando a cabo una buena práctica de comunicación 2.0 en Twitter.

La primera, a pesar de estar al corriente de esta invitación a la reflexión sobre las propias prácticas (el post, escrito a modo de conversación amistosa con la institución, tubo bastante revuelo en la plataforma del pajarito) hizo caso omiso, sorteando como pudo los comentarios de los usuarios que aprovecharon el post de Pilar para “debatir en la red lo que es de la red”.

La segunda institución, en cambio, entró en diálogo con los tuiteros de un modo un tanto irreflexivo, defendiéndose de lo que no eran acusaciones sino sugerencias de comportamiento. Esta conversación quedó reflejada al día siguiente en el blog de @zapatosrosas donde, con el mismo tono bienintencionado se analizaba la estrategia social-media (o carencia de ella) explicada por el mismo departamento de comunicación de la institución, en busca del origen de la mala praxis. El título de este post, el hashtag #UnCMparaElPrado, era una invitación a sumarse a la petición de esta figura para el departamento de comunicación de una de las mejores pinacotecas españolas. Esta vez el debate se popularizó y durante unos días Twitter se llenó de conversaciones acerca del tema.

A ésto, se sumó un post de comunicación 2.0 en el que se defendía la postura del blog como herramienta para una comunicación más profunda entre las instituciones y, ya no el público general del museo, sino los expertos en arte y usuarios activos de la web 2.0 que buscan el diálogo más allá de la mera repetición de la información facilitada en sus páginas web.

#CUANDOERAMOSCULTOS (11 de marzo)

En el contexto de los recortes en educación y cultura que el gobierno español está practicando, el programa televisivo Salvados realizó uno de sus polémicos reportajes sobre lo que acertó en llamar “burbuja cultural” (asemejando la especulación en cultura a la practicada en el ámbito inmobiliario) y haciendo públicas cifras millonarias vinculados a la inversión en centros culturales actualmente infrautilizados. De nuevo, los expertos culturales asiduos de Twitter (acompañados, evidentemente, de otros usuarios), establecieron un debate paralelo al programa convirtiendo esta vez el título del documental #CuandoEramosCultos en TT durante el desarrollo del mismo. Y, de nuevo también, en dicho debate no participó ninguna institución, ni responsable de cultura de la Administración.

#CULTURA18 (12 de marzo)

Bajo el hashtag #cultura18 tiene lugar semanalmente (todos los lunes a las 18h horario español y durante una hora) un debate que gira alrededor de temáticas culturales y en el cual participan, de nuevo, expertos del mundo del arte y la cultura que desarrollan una importante actividad online (resulta redundante mencionar de nuevo la escasísima participación institucional en él). Dicho debate, bajo el tema “cultura y tópicos” (que para este caso es lo de menos, pero que pretendió analizar a través de la ironía los prejuicios y concepciones erróneas que acarrea el mundo de la cultura), fue el pasado lunes TT número uno en España durante buena parte de su desarrollo.

A partir de estos casos expuestos (que sintomáticamente llevan todos un hashtag por título) puede verse, de algún modo, cómo la plataforma Twitter (y la consiguiente expansión a los blogs) se ha definido como lugar de debate y conversación entre expertos del mundo del arte y la cultura, dando lugar a proyectos y colaboraciones que funcionan de un modo independiente a lo institucional, dado que las instituciones deciden (de un modo consciente o no) formar parte de un modo más bien relativo.

Yendo un poco más allá, parece que se estuviera construyendo, como por generación espontánea, una estructura virtual con lo que respecta al mundo de la cultura, una especie de red que corre de un modo paralelo a “lo real”, gestionado por las instituciones.

De nuevo, un malestar en la cultura.

[Publicado en Ártica, Centro Cultural 2.0]

JustMAD, una feria joven que sube con fuerza

La segunda semana de febrero se ha convertido, ya de una forma oficial, en La Semana del Arte en Madrid. La propuesta más arraigada de estas fechas, con el aval de 30 reconocidas ediciones anteriores, es la internacionalmente conocida Feria de Arte Contemporáneo ARCO, a raíz de la cual empezaron a surgir ferias y actividades paralelas, bautizadas inicialmente como "satélites" pero que en la actualidad (y a pesar de las escasas ediciones precedentes) ya se presentan, por la solidez de las propuestas así como por la afluencia y aceptación de los visitantes, como eventos consolidados.

Este es el caso de la jovencísima JustMAD, una feria que con solo 3 ediciones contando la del presente año, se presenta como el hermano pequeño y travieso de la demasiado institucionalizada ARCO. JustMAD forma parte de una serie de eventos internacionales independientes dedicados a galerías y artistas emergentes que pasan desapercibidos a las ferias principales, con una cuidada selección de propuestas jóvenes y frescas que apuestan por la ilustración, el diseño, el trabajo de la pintura sobre nuevos materiales, así como las acciones y performances.

Pinboard de JustMAD 2012

Os dejo a continuación un listado de las propuestas, a mi entender, más interesantes de esta edición de una Feria que, coleccionistas consagrados aparte, seguro se ha ganado el corazón de amantes del arte que, como una menda, lo que esperan de una "feria de arte contemporáneo" es la sorpresa, la ilusión, el descubrimiento, los nervios en observar que hay mucho por conocer y muy bueno. Sentimientos todos ellos que se agolpan en JustMAD y que, sin duda, esta edición de la consagradísima ARCO no me ha probocado.

• Galería Saro León (Las Palmas de Gran Canaria): Manolo González
• Bom Gallery (Seul): Kim Joowon
• Galería Ángeles Baños (Badajoz): Manuel Antonio Dominguez
• Negocios Raros (Madrid): Miguel Marina Cobo
• Galería Eva Ruiz: Rosa Isabel Vázquez
• 3+1 Arte Contemporánea (Lisboa): Claire de Santa Coloma
• Galería Sabrina Amrani (Madrid): Younes Baba-Ali
• La Casa Cuadrada (Bogotá): Antonio Fernández Alvira
• Galería Trinta (Santiago de Compostela): Miguel Ángel Moreno Carretero
• Galería José Robles (Madrid): Santiago Morilla
• 6+1 Arte y Arquitectura (Madrid): Julio Falagán, Fernando Bayona
• Galería Fernando Pradilla (Madrid): Moisés Mahiques
• Galería Sicart (Vilafranca del Penedès): Alejandra Alarcón, Marta Espinach
• Ogami Press (Madrid): Mauriel Moreau
• Galería María Llanos (Cáceres): Manuel Acedo
• Galería AranaPoveda (Madrid): Rosana Antolí
• Galería Liebre (Madrid): Laramascoto
• Galería Adriana Suárez (Gijón): Helena Toraño
• Galería Inés Barrenechea (Madrid): Gayle Chong Kwan
• Galería Alegría (Barcelona): Pablo Milicua
• Et Hall (Barcelona): Martín Vitaliti (Premio de dibujo Museo ABC), Luís Macías
• Galería Louis 21 (Palma): Javier Calleja
• Galería Guillermina Caicoya (Oviedo): Natalia Pastor
• Galería Trema (Lisboa): Ana Sofía Gonçalves
• Galería Marisa Marimón (Ourense): Tamara Feijoo

Para terminar, os dejo mi Stack de Delicious 'Galleries', donde podréis encontrar el link a las páginas web de estas y más galerías de arte.

La Villa Laurentum de Plinio el Joven (Plin.Ep.II,17)

Os dejo el Embed de un ensayo que he escrito sobre la Villa Laurentum de Plinio el Joven, una villa romana martítima del siglo I, basado en las Epistulae del mismo. Sé que no tiene mucho que ver con la temática habitual de este blog, pero el Arte Antiguo también tiene cabida aquí [podéis ver el post sobre gestos en el Arte Egipcio] y seguro que a más de uno puede interesaros.

El surrealismo queer de Claude Cahun

El Palau de la Virreina (La Rambla, 99) está considerado uno de los mejores exponentes del barroco en la arquitectura civil catalana y ahí tiene sede el Centro de la Imagen con el mismo nombre, que acoge atractivas (y gratuitas!) exposiciones temporales dedicadas a los maestros de la fotografía. En el contexto de este precioso espacio arquitectónico, encontramos hasta el día 5 de febrero de 2012 la retrospectiva de la obra fotográfica de Claude Cahun, nombre artístico bajo el que se refugió la polémica Lucy Schwob (Nantes, 1894 - Jersey, 1954). La obra de esta prolífica fotógrafa francesa de los tiempos revueltos de la primera mitad del siglo XX, aunque desconocida durante mucho tiempo, goza actualmente de un “boom” de popularidad debido a las numerosas exposi-ciones que se le han dedicado durante los últimos veinte años (Museo Nacional de Arte Moderno de París, Instituto de Arte Contemporáneo y Tate Modern en Londres, Grey Art Gallery en Nueva York etc.), consagrando definitivamente su obra.

La retrospectiva de La Virreina, pretende no solamente mostrar la trayectoria artística de la controvertida Cahun, sino también inscribirla en un discurso que alude tanto al surrealismo como a la “moderna” teoría Queer. Este factor determina que la muestra no presente (gracias a Dios!) un insustancial orden cronológico sino que, a través de un elaborado discurso expositivo, agrupa una importante cantidad de imágenes de Cahun en una serie de espacios temáticos (organizados alrededor del espectacular patio interior con doble escalinata) que logran dilucidar la ambigua figura de la artista y el complejo contexto artístico, cultural y social en que desarrolló una obra artística intimista y poética que funciona como una íntima y delicada autobiografía a través de la imagen.

Instalada en París antes de los 20 años con Suzanne Malherbe (Marcel Moore), con quien formaría pareja sentimental y artística, la figura de Cahun ya se perfila como independiente y transgresora; y esta personalidad que pasaría desapercibida en sus tiempos es el elemento latente y trascendental de esta obra aparentemente sensible y discreta.

La que para mí resulta la línea fundamental en del trabajo de Cahun, aquella que de una manera introspectiva sirve para reflexionar sobre la identidad y la subversión de los géneros, se encuentra en el primer de los espacios de La Virreina. A través de una infinita variedad de autorretratos donde una puesta en escena teatral (influenciada inevitablemente por su participación en la compañía teatral Le Plateau) resulta la protagonista, buena parte del recorrido artístico de Cahun nos es presentado como un trabajo completamente íntimo de investigación personal en el que, desnudándose emocionalmente delante de la cámara a través del travestismo y el juego de máscaras, desmenuza la cuestión de la ambigüedad sexual y los convencionalismos a ella asociados. A través de estos autorretratos introspectivos, Cahun explora y promulga un mensaje elemental en pro del género indefinido, en la frontera entre la homosexualidad, la bisexualidad y la androginia, que, sin ser consciente de ello, iría como anillo al dedo a la “ochentera” teoría Queer (sí hombre, aquella que defiende que la identidad de género es una construcción social y que, por lo tanto, no existen roles sexuales esenciales predeterminados, sino formas variables de desempeñarlos).

El segundo espacio constituye un pequeño paréntesis dedicado a la poética del objeto (el bodegón, vamos), un trabajo esencialmente surrealista realizado con objets trouvés y entendido como un “teatro de las cosas” con un alto componente literario. Cabe decir aquí que, aunque no puede desvincularse el trabajo de Cahun del activo grupo surrealista de André Bretón y su defensa de la libertad de creación del artista, la búsqueda de un “mito” personal a lo Baudelaire ultrapasa todas estas intencionalidades y convierte el trabajo de Chaun en un incesante cuestionamiento del trabajo y la personalidad propias.

Combinaciones surrealistas de objetos aparte, sigue Cahun con sus íntimas reflexiones hechas imagen hablándonos del deseo. A través de una mirada metafórica, busca reducir este deseo (completamente desvinculado aquí de la pornografía) a lo esencial a través de la exploración del componente imaginario, casi onírico, de un cuerpo que tiende cada vez más a lo hermafrodita.

Al llegar a la cuarta sala uno ya es perfectamente consciente del morboso rol de voyeur que los comisarios de la muestra, Juan Vicente Aliaga y François Leperlier, han decidido otorgarle. Dejadme apuntar aquí que, discursos feministas aparte, porqué no los soporto, en todo momento había dado por sentado que detrás de tan sensible discurso había una mente femenina. Pues eso, sigue al deseo un espacio dedicado a la complicidad de la pareja Cahun-Malherbe. Trabajos conjuntos, autorretratos, fotomontajes, retratos dobles, una vorágine de obras colaborativas en las que convergen las cuestiones que la obsesionaban.

Los comisarios tienen otro detalle aquí y nos ofrecen una “pausa” ante tanto intimismo con un a sala que, a modo de simpático álbum de fotos familiar, recoge retratos de amigos y personajes que ejercieron una importante influencia sobre la artista. Sigue a ésta, un espacio dedicado al aspecto más social de la vida de Cahun, que testimonia su activismo político vinculado al grupo surrealista, una actividad en el movimiento de la resistencia que la llevaría a ser encarcelada, junto a su inseparable Malherbe, por el ejército nacionalsocialista.

Esta lectura del diario personal de Cahun a través de las imágenes, concluye con una sala dedicada a los trabajos posteriores a esta estancia en prisión que le dejaría una profunda huella física y emocional. Los poemas visuales de este último período de madurez, inmediatamente anterior a su muerte, sintetizan todas las reflexiones anteriores, remontándose al cuestionamiento fundamental de la realidad y las apariencias.

The End. 

Sí, la sensación con la que una sale de La Virreina es la de haber visto una película biográfica bien hecha. El discurso expositivo está trabajado, el ritmo de la visita es elástico y equilibrado, el contenido es intenso y a la vez ameno. Definitivamente, os recomiendo esta exposición.

[Publicado en absur2eal num.-5]